Hintergründe

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Grußwort von Agnieszka Holland zu FRANZ K.

Patrick Heidmann

Cineville gibt es auch im praktischen App-Format

Die Cineville-App

**INDIEKINO: Mr. Lanthimos, BUGONIA basiert auf dem koreanischen Film SAVE THE GREEN PLANET von 2003. War es Ihre Idee, den zu adaptieren?**
 
Yorgos Lanthimos: Nein, entwickelt wurde das Projekt von meinem Kollegen Ari Aster und seinem Produzenten Lars Knudsen, zusammen mit dem Drehbuchautor Will Tracy. Irgendwann schickten sie mir das Skript – und ich war gleich bei der ersten Lektüre begeistert. Die Geschichte war unterhaltsam, aufregend und inhaltlich komplex, also alles das, worum es mir mit allen meinen Filmen geht. Ich schickte sie gleich auch an Emma Stone, und als sie ebenfalls sofort darauf ansprang, war ich schnell mit an Bord. Mit Tracy habe ich dann noch ein wenig am Drehbuch gefeilt und es ein wenig meinem persönlichen Stil angepasst. Aber letztlich ging die Arbeit an diesem Film so schnell wie nie.
 
**Ms. Stone, dies ist Ihr vierter gemeinsamer Film in Folge; seit THE FAVOURITE hat Lanthimos keinen Film ohne Sie gedreht. Was macht das Besondere Ihrer Arbeitsbeziehung aus?**
 
Emma Stone: Da muss ich, fürchte ich, eine ziemlich langweilige Antwort geben. Wir verstehen uns einfach richtig gut, das ist schon das ganze Geheimnis. Unser Geschmack und unsere Interessen decken sich zu weiten Teilen, wenn es um Geschichten und Figuren geht. Als wir uns vor etwa zehn Jahren kennenlernten, hatte ich nur Yorgos’ Film Dogtooth gesehen, aber der hatte mich schon enorm neugierig gemacht. Nach unserem ersten Treffen ahnte ich dann schnell, dass er ein Mann ist, mit dem ich eine Wellenlänge habe und zu dem ich Vertrauen entwickeln kann. Die gemeinsame Arbeit an The Favourite hat das dann nur bestätigt und bekräftigt.
 
Lanthimos: Ich bin immer erstaunt, wenn Leute sich wundern, dass ich mehrere Filme hintereinander mit Emma gedreht habe. Früher gab es das doch immer wieder. Noch in den 70er Jahren kam es ständig vor, dass Regisseure und Schauspieler wiederholt kollaboriert haben. Warum denn auch nicht? Wenn man bestens harmoniert, können die Filme davon doch nur profitieren. 
 
**Heißt Vertrauen auch, einem Regisseur blind zu folgen?**
 
Stone: Nein, eher, dass man über alles offen sprechen kann. Es geht ja um eine Kollaboration auf Augenhöhe. Ich versuche bei jedem Film, mich dem Drehbuch und meiner Rolle mit Haut und Haar zu verschreiben, so gut es irgend geht. Aber das heißt nicht, dass man nicht diskutiert. Wenn es Aspekte gibt, die mir nicht behagen oder zu denen ich eigene Ideen und Gedanken habe, dann spreche ich das an. Und bei jemandem wie Yorgos, den ich so gut kenne und zu dem mein Vertrauen so riesig ist, fällt mir das leichter als bei irgendwem sonst.
 
**Mr. Plemons, für Sie ist BUGONIA auch schon der zweite Film mit Lanthimos und Stone. Erleichtert es die Arbeit, wenn man sich bereits kennt?**

Jesse Plemons: Je besser man sich kennt, desto einfacher und reibungsloser wird die Kommunikation. Das gilt ja eigentlich für jede Beziehung, ist aber definitiv der Fall beim Filmemachen. Beziehungsweise merkt man womöglich sogar, wo gar keine Kommunikation möglich ist. Denn ich weiß noch, wie ich bei Kinds of Kindness anfangs Yorgos ganz viele Fragen gestellt habe, bevor ich irgendwann realisierte, dass ich von ihm nicht unbedingt echte Antworten bekomme. Was nicht zuletzt daran liegt, dass Yorgos natürlich in vielerlei Hinsicht eine klare Vision hat, aber gleichzeitig genug Raum lässt für die Intuition eines jeden einzelnen, einen eigenen Blick auf die Geschichte zu entwickeln.
 


**Die klare Vision ist das eine, aber BUGONIA hat – vielleicht mehr als jeder Ihrer Vorgängerfilme – auch den Finger am gesellschaftspolitischen Puls der Zeit. War Ihnen das dieses Mal besonders wichtig, Mr. Lanthimos?**
 
Lanthimos: Eigentlich geht es mir darum mit jedem Film. Manchmal sind die aktuellen Bezüge vielleicht ein bisschen versteckter, sodass sich das Publikum da ein bisschen mehr hinarbeiten muss. Aber meine Absicht ist es immer, Fragen zu stellen über die menschliche Natur und die gesellschaftspolitische Realität, in der wir leben. Vermutlich sind sie in diesem Fall ein wenig offensichtlicher als in anderen Filmen. Wobei es auch spannend war, dass unsere Geschichte und die darin verhandelten Themen immer relevanter zu werden schienen, je länger wir an BUGONIA arbeiteten. Dass wir in den Dialogen noch sehr viel unverkennbarer als vor vier Jahren den Zustand unserer aktuellen Weltlage wiedererkennen, ist also nicht nur Will Tracys Klarsicht geschuldet, sondern auch bitterer Zufall.

**Sehr präsent ist auf jeden Fall das Thema Verschwörungstheorien. Was reizte Sie daran so sehr?**
 
Plemons: Meine bevorzugte Verschwörungstheorie ist die, dass wir im Grunde alle Verschwörungstheoretiker sind. Niemand von uns ist frei davon, von außen beeinflusst oder manipuliert zu werden. Das fängt ja schon mit Werbung an, und dem daraus entstehenden Gefühl, irgendetwas kaufen zu müssen. Der von mir gespielte Teddy ist da nur ein Extrem. 
 
**Zwischen Werbung und Verschwörungstheorien gibt es allerdings schon noch einen Unterschied …**
 
Plemons: Das stimmt natürlich. Auf Werbung anzuspringen, ist nicht das Gleiche wie tatsächlich zu glauben, dass Vögel nicht wirklich existieren. Das ist eine der Verschwörungstheorien, die ich am faszinierendsten finde.
 
Stone: Wie? Und was sollen diese Tiere an unserem Himmel stattdessen sein?
 
Plemons: Irgendein Spionageprogramm der Regierung oder so, glaube ich. 
 
Lanthimos: Meine Favoriten sind immer noch all die klassischen Theorien rund um das Thema Außerirdische. Während der Arbeit an BUGONIA wollte ich mich damit nicht so wirklich auseinandersetzen. Aber danach habe ich mir online vieles angehört, was die Leute glauben, wo und wie viele Aliens schon auf der Erde waren und was die US-Regierung da vertuscht. Mit Bob Lazar und ähnlichen Typen kenne ich mich inzwischen bestens aus! Gleichzeitig sollten wir übrigens nicht vergessen, dass – mindestens jenseits dieser Alien-Thematik – an manchen Verschwörungstheorien auch etwas dran ist. Oder zumindest heutzutage das Hinterfragen von vermeintlichen Wahrheiten immer wichtiger wird.
 
**Was genau meinen Sie?**
 
Lanthimos: Angesichts dessen, was Technologie und natürlich nicht zuletzt Künstliche Intelligenz heutzutage alles kann, wird es doch immer schwieriger zu wissen, was real ist und was nicht. Natürlich müssen wir jetzt nicht alle Verschwörungstheoretiker werden. Aber zumindest werden wir uns künftig bei praktisch jedem Bild, jeder Aufnahme, jeder Information fragen müssen, ob wir einer Manipulation auf den Leim gehen oder dem glauben können, was wir sehen. Quellen zu überprüfen und zu hinterfragen wird künftig immer schwieriger werden. Und gleichzeitig wichtiger denn je.
 
**Allzu optimistisch dürfte man also, wie ja auch BUGONIA suggeriert, nicht auf die Zukunft unserer Gesellschaft blicken, richtig?**
 
Plemons: In meinen Augen zeigt der Film unser größtes Problem ziemlich klar auf, nämlich die Spaltung unserer Gesellschaft und dass es uns unmöglich geworden zu sein scheint, zwei gegensätzliche Wahrheiten gleichzeitig auszuhalten. Denn wenn man es genau betrachtet, sagen sowohl Teddy als auch Michelle in BUGONIA vieles, was richtig ist. Sei es, was sie über die selbstmörderischen Tendenzen der menschlichen Natur sagt, oder was er mit Blick auf den Umgang mit Menschen aus seiner sozialen Schicht feststellt. Aber auszuhalten, dass das Gegenüber etwas Wahres sagt oder widerspricht, ist unangenehm. Weil wir – um mal etwas pauschal zu werden – heute alle nach dem Motto zu funktionieren scheinen: Wenn du nicht meiner Meinung bist, kannst du dich zum Teufel scheren.
 
**Gibt es denn also überhaupt noch Anlass zur Hoffnung für die Menschheit?**
 
Plemons: Vielleicht nicht viel. Aber woran ich mich festhalte, sind die kleinen Momente, Gesten und Begegnungen. Gesamtgesellschaftlich deprimiert mich das meiste. Aber im Zwischenmenschlichen, im direkten Austausch erlebe ich zum Glück noch oft genug Situationen, die mich optimistisch stimmen. Ein höfliches, nettes Erlebnis mit einem Fremden empfinde ich heutzutage schon als richtig beglückend.
 
Stone: Die Verbindung zu anderen ist für mich der größte Quell der Hoffnung. Die gibt es, wie Jesse sagt, in zwischenmenschlichen Begegnungen ja nach wie vor. Außerdem weiß ich gar nicht, ob es früher so viel leichter war, hoffnungsvoll nach vorn zu blicken. Denn die einzige Garantie, die es für die Zukunft jemals gab, war die unausweichliche Tatsache, dass wir alle sterben müssen. Egal was ich tue, auf mich wartet der Tod – diese Erkenntnis ist doch so alt wie die Menschheit. Aber vielleicht kann man ja auch darin einen Grund zur Hoffnung entdecken. Denn was am Ende überleben wird, ist unser Planet. Der menschliche Parasit, der ihn aktuell bevölkert, mag irgendwann aussterben. Doch die Natur wird weiter gedeihen, vielleicht sogar mehr denn je.


Interviews

Über gute Zusammenarbeit und Lieblings-Verschwörungstheorien

Yorgos Lanthimos, Emma Stone und Jesse Plemons über BUGONIA „Es wird immer schwieriger zu wissen, was real ist und was nicht.“

Preview #November ab dem 1.11.: EDDINGTON // Auch im November gilt: Cineville-Abonnent*innen können eine Begleitperson kostenfrei mit ins Kino nehmen!

Die Cineville-Preview 

Playlists

Playlist: Inspired by DANKE FÜR NICHTS

Pamela Jahn

**Pamela Jahn: Frau Holland, als Sie im Alter von 14 Jahren zum ersten Mal mit Kafkas Literatur in Berührung kamen, wollten Sie damals selbst Schriftstellerin werden?**

Agnieszka Holland: Nein, Malerin. Aber ich war ein sehr belesenes Kind. Ich habe schon früh in meiner Jugend die großen Klassiker gelesen. Kafka entdeckte ich ungefähr zur gleichen Zeit wie die Werke von Thomas Mann. Davor hatte ich bereits einen Roman von Dostojewski gelesen. Meine intensivste Lesezeit hatte ich in meiner Jugend zwischen 12 und 25 Jahren.

**Was hat sich danach verändert?**

Als Filmemacherin wurde ich immer dümmer, weil mir klar wurde, dass ein guter Regisseur oder eine gute Regisseurin nicht unbedingt intellektuell hochgebildet sein muss. Man muss andere Fähigkeiten entwickeln. Es ist zum Teil ein eher technisches Handwerk.

**Was hat Sie letztlich an Kafkas Sprache und Schreibstil besonders fasziniert, im Gegensatz zu Thomas Mann oder Dostojewski?**

Thomas Mann hat mich auch angesprochen, ich habe alles von ihm gelesen, nicht nur die langen Romane, sondern auch die Kurzgeschichten, die Briefe und die Tagebücher. Aber irgendwann wurde mir klar, dass ich ihn als Mann beziehungsweise als Mensch nicht mochte. Ich erkannte, dass er ein ziemlich unangenehmer, egoistischer und pompöser Typ war, und deshalb verlor ich auch das Interesse an seiner Literatur. Mit Kafka war es anderes. Er bot mir eine neue Sichtweise auf die Welt. Seine Sprache war nicht beschreibend und ausladend. Er erzählte auch keine realistischen Geschichten über die menschliche Psychologie oder die Moral. Er half mir, die unlösbare Komplexität der Welt zu verstehen. Und ich fand ihn immer sehr relevant und in gewisser Weise zeitlos.

**Was ist das Charakteristische an seiner Vision?**

Ich bin im kommunistischen Polen aufgewachsen und habe anschließend in der kommunistischen Tschechoslowakei studiert. Auf der ersten Ebene war die dystopische Qualität insbesondere seiner Romane damals sehr aktuell und entsprach dem Gefühl, das wir gegenüber der Realität hatten. Aber auf der zweiten Ebene war es etwas, das ich, wenn ich Kafka lese, auch heute noch sehr stark spüre: Dass man, immer wenn man glaubt, den Schlüssel zu seinem Werk gefunden zu haben, er am Ende doch nicht passt. Man glaubt für den Moment, die Botschaft oder die Bedeutung zu verstehen, bis man einsehen muss, dass man nichts verstanden hat, weil es einfach unendlich viele Interpretationsebenen gibt.


**Inwieweit haben Sie versucht, seine Art zu schreiben auf Ihren Film zu übertragen?**

Ich musste in Franz K. stilistisch und narrativ meinen eigenen Zugang zu Kafka finden, der - für mich - mit seinem Schreiben und auch mit seiner Persönlichkeit übereinstimmt. Ich wollte diese Verspieltheit zum Ausdruck bringen, die im Gegensatz zu dem allgemeinen Klischee von Kafka als einem düsteren, finsteren Typ steht, was meiner Meinung nach nicht stimmt. Er sollte ein bisschen was von einem Punk haben, und nicht nur ernst und traurig sein. Ich mag ich es nicht, wenn Adaptionen oder Interpretationen seiner Werke ihn stets als eine Art makabres Insekt darstellen, das sich im Dunkeln versteckt, denn so war er nicht. 

**Worauf haben Sie in der Bildsprache wert gelegt?**

Eine weitere Überlegung war, die Struktur offen zu halten, ähnlich wie in der Quantenphysik, wo Zeit und Raum nicht offensichtlich und linear sind. Auf eine ähnliche Weise bezieht sich auch Kafkas Denken immer auf etwas, das jenseits des Verstandes und jenseits des Herzens liegt. Sein Intellekt scheint völlig losgelöst von der normalen Psychologie. Deshalb gibt es in dem Film realistische Szenen, die etwa seine komplizierte Beziehung zum Vater beschreiben, wie wir sie kennen, aber seine Empfindsamkeit und seine Gefühle sind für uns nie ganz zugänglich. Sie bleiben ein Mysterium.

**Letztes Jahr, zum 100. Todestag, gab es bereits zahlreiche Ansätze, Kafkas Leben und Werk neu zu interpretieren. Haben Sie Bedenken, dass Ihr Film in der Hinsicht etwas zu spät kommt?**

Ich hatte nicht das Gefühl, einen Film passend zum Jubiläum zu machen. Ich habe nicht im Kalender nachgeschaut. Lange Zeit wollte ich den Film sogar „Auf der Suche nach Franz“ nennen, weil mich die Person mehr interessierte als Kafka, der Schriftsteller. Vielleicht sind die Leute jetzt ein wenig gelangweilt, wenn sie seinen Namen hören. Aber ich hoffe nicht.

**1981 haben Sie Kafkas „Der Prozess“ für das polnische Fernsehen adaptiert. Was haben Sie bei der Arbeit an dem Projekt gelernt, das Ihnen jetzt bei FRANZ K. geholfen hat?**

Ich habe den Film damals zusammen mit meinem Ex-Mann inszeniert, und ich finde, wir haben ziemlich gute Arbeit geleistet. Vielleicht war es sogar eine der gelungensten Interpretationen von „Der Prozess“, die ich je gesehen habe. Für mich persönlich war es ein unglaubliches intellektuelles Abenteuer, den Roman zuerst zu dekonstruieren und dann wieder zu rekonstruieren. Ich empfand es als eine sehr dynamische Versuchsanordnung. Wie gesagt, ich denke bis heute, dass es keine hinreichende Interpretation von seinem Werk gibt, die man ad acta legen könnte. Bei Kafka ist nichts jemals endgültig.

**Er war ein Mann der Anfänge, hatte aber immer Schwierigkeiten, Dinge zu Ende zu bringen. Können Sie das persönlich mit Blick auf Ihre eigene Arbeitsweise nachvollziehen?**

Die Enden in meinen Filmen sind meist auch offen. Nur sehr selten sind sie absolut. Zumindest für mich sind die meisten meiner Filme auch nicht fertig. Dagegen sind Kafkas Werke viel mehr in sich geschlossen. 

**Was machte ihn zu Ihrem Seelenverwandten, wie Sie es gerne formulieren?**

Die Tatsache, dass er in sich einen großen Widerspruch verkörperte. Deshalb empfinde ich diese Zärtlichkeit ihm gegenüber. Seit meiner Jugend wollte ich ihn immer irgendwie beschützen. Ich hatte den Eindruck, dass er wie ein kleiner Bruder ist, um den ich mich kümmern muss. Aber warum? Einerseits war er in seinem Denken und Schreiben völlig revolutionär und unkonventionell, andererseits wollte er unbedingt dazugehören. Er war kein Rebell, kein Revoluzzer. Er hatte einen normalen Job und bemühte sich ernsthaft, ein konventionelles bürgerliches Leben zu führen. Es hat jedoch nicht funktioniert. Aber er war niemand wie zum Beispiel Arthur Rimbaud, der französische Dichter, über den ich 1995 einen Film gedreht habe. Rimbaud war ein echter Aufrührer. Er wollte der Welt beweisen, dass er anders ist als alle anderen. Er kämpfte gegen das Establishment, von dem Kafka so verzweifelt akzeptiert werden wollte. Nur war das unmöglich.

**Trotz der Verspieltheit, die Sie zuvor erwähnt haben, gibt es im Film auch eine konfrontative Folterszene aus Kafkas Erzählung „In der Strafkolonie“. Warum war Ihnen diese Szene wichtig?**

Ich fand, dass sie sehr realistisch, sogar drastisch dargestellt werden musste, um zu zeigen, wie die Menschen damals seine Texte wahrgenommen haben. Sie waren schockiert, und ich wollte dieses Gefühl beim Kinopublikum wieder hervorrufen. Als die Erzählung erstmals veröffentlicht wurde, hat man sie nicht wirklich verstanden. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg wurde sie als ein Beispiel für seine prophetischen Fähigkeiten wiederentdeckt. Zu dieser Zeit lasen auch viele existentialistische Schriftsteller und Philosophen wie Albert Camus oder Jean-Paul Sartre seine Werke, weil Kafka nicht nur das Gefühl der Entfremdung aufgrund der industriellen, kapitalistischen, entmenschlichenden Gesellschaft einfing, sondern auch die totale Entmenschlichung und Verachtung, die in „In der Strafkolonie“ so anschaulich zum Ausdruck kommt. Ich wollte diesen Aspekt aufgreifen, weil wir heute erneut in eine sehr ähnliche Zeit eintreten, in der die Gewalt und der Hass unter den Menschen wieder zunimmt. Es ist eine Warnung.


**Sehen Sie Ihren Film GREEN BORDER in ähnlicher Weise als eine Mahnung oder einen Weckruf?**

Ich analysiere meine Arbeit nicht auf diese Weise, weil es gefährlich ist. Ich kann nur dem Impuls folgen, den ich gerade empfinde, und dem nachgehen, was für mich und hoffentlich auch für andere in diesem Augenblick wichtig erscheint. Ich werde also den Teufel tun und mich mit Kafka vergleichen. Er war ein Genie. Ich bin es nicht. Ich versuche lediglich, eine ehrliche Filmemacherin zu sein, die sensibel für die Realität ist und sich den Herausforderungen der Moderne stellt.

**Ist es heute manchmal sinnvoller, auf klassische Werke und Schriftsteller:innen zurückzugreifen, wenn es darum geht, die Gegenwart zu verstehen?**

Das ist immer die Frage. Ich erinnere mich zum Beispiel, dass George Orwell total angesagt war, als ich in kommunistischen Ländern lebte. Dann, nach dem Fall der Berliner Mauer 1989, verschwanden seine Werke einfach von der Bildfläche – bis Donald Trump zum ersten Mal gewählt wurde. Als ich mir 2016 die Bestsellerliste bei Amazon ansah, war Orwell über Nacht wieder auf Platz eins. Und „The Plot Against America“ von Philip Roth war auf Platz zwei, danach kam Kafka auf Platz drei oder vier. Plötzlich erweckte die sich verändernde politische oder ideologische Lage einige Klassiker zu neuem Leben. Es ist also wichtig, die Klassiker nicht nur beim Namen zu kennen, sondern sie auch zu lesen, aber das bedeutet nicht, dass man die zeitgenössische Literatur komplett vergessen sollte, auch wenn die Lebensdauer dieser Bücher meist sehr kurz ist.

**Sehen Sie in diesem Sinne eine Parallele zum Kino?**

Ja, mit Filmen ist es ein bisschen dasselbe. Aber wissen Sie, was wirklich gefährlich ist? Dass es heutzutage immer weniger Menschen gibt, die ihre Autorität und Sensibilität einsetzen, um wichtige und besondere Werke ins Rampenlicht zu rücken, die manchmal vielleicht nicht leicht zu verkaufen, aber dennoch essenziell sind. Früher kam den Festivalleitern und den Verleihern diese Funktion zu, ähnlich wie den guten alten Redakteuren. Aber jetzt gibt es all diese digitalen Plattformen und Streamingdienste. Es sind Algorithmen, die entscheiden, was wie lesen oder sehen sollen. Diese Entwicklung macht es sehr schwierig, neue Klassiker zu schaffen, weil alles nur noch von künstlicher Intelligenz gesteuert wird, die keine Seele, kein Herz und keinen Verstand besitzt.

**Was glauben Sie, hätte Franz Kafka von der Welt gehalten, in der wir heute leben?**

Er hätte festgestellt, dass sie seiner Intuition entspricht. Er war in der Hinsicht ein Prophet. Er hat die Dinge vorausgesehen, nicht nur in der Gesellschaft, sondern ebenso in der Technologie. Seine Faszination fürs Kino ist nur ein Beispiel dafür. Ich denke auch, dass er den sozialen Medien und dem Trend, über Bilder und Texte zu kommunizieren, offen gegenübergestanden hätte. Immerhin war er selbst jemand, der persönliche Begegnungen scheute und lieber Briefe und Tagebücher schrieb, als direkt mit Menschen zu sprechen. 

**Haben Sie jemals selbst Tagebuch geschrieben?**

Nicht ernsthaft. Als Teenager habe ich eine Art imaginäres Tagebuch geführt, in dem ich eher Ereignisse erfunden habe als die Wirklichkeit zu beschreiben. Aber später war ich immer zu beschäftigt oder abgelenkt - zumindest habe mir das eingeredet, was sehr schade ist. Mein Mentor und Freund Andre Vidal, zum Beispiel, hat sein ganzes Leben lang eine Art loses Tagebuch geführt. Er hatte ein Notizbuch, in dem er die Dinge festhielt, die ihm und um ihn herum passierten. Darin lässt sich viel Wahres finden, nicht nur über seine Persönlichkeit, sondern auch über die damalige Zeit. Es ist ein wichtiges Buch, das schon vor Jahren veröffentlicht wurde.  

**Wäre Franz Kafka heute verärgert, dass Max Brod seine Manuskripte nicht, wie er es wollte, allesamt verbrannt hat?**

Ich bin mir nicht sicher, ob er wirklich wollte, dass sie verbrannt werden. Ich würde gerne glauben, dass er am Ende seines Lebens große Angst hatte und verwirrt war. Und vielleicht hoffte er, dass sein Freund es sowieso nicht tun würde, deshalb gab er sie ihm. Wohlgemerkt, Dora Diamant hat einen Teil der Schriften verbrannt, wie er es ihr aufgetragen hatte. Leider. Aber Max Brod war zum Glück hartnäckig - und weitsichtig.



Über Unergründlichkeit und Seelenverwandschaft

Regisseurin Agnieszka Holland über FRANZ K.: "Er sollte ein bisschen was von einem Punk haben."

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**Pamela Jahn: Herr Akin, können Sie sich ein Leben als Insulaner vorstellen?**

Fatih Akin: Ja, schon. Ich bin zwar von Natur aus ein Großstadttyp, aber ich sage ständig zu meiner Frau: Komm, lass uns raus. Ich mach noch den einen Film fertig und dann ziehen wir nach Kreta oder sonst wo hin. Aber wenn ich ganz ehrlich bin, würde ich mich dort auf Dauer wahrscheinlich furchtbar langweilen. Und wenn, dann müsste es auf jeden Fall eine Insel im Süden sein, wo das Wetter ein bisschen schöner ist.

**Wann waren Sie zum ersten Mal auf Amrum?**

Vor ein paar Jahren mit Hark Bohm.

**Auf den Spuren seines Romans?**

Lassen Sie mich zunächst etwas richtigstellen: Der Film basiert nicht auf dem Roman, es ist andersherum. Hark wollte ursprünglich eine andere Geschichte über den Zweiten Weltkrieg drehen, die ich produzieren sollte. Aber das Projekt stellte sich als zu teuer heraus. Trotzdem wollte er das Thema nicht loslassen, weil seine Eltern Nazis waren. Dann erzählte er mir von Amrum und seiner Kindheit dort. Das war ungefähr zur gleichen Zeit, als in einer seltsamen Regelmäßigkeit verschiedenste Regisseure Filme über ihre eigene Vergangenheit drehten: BELFAST von Branagh, ROMA von Iñárritu. Irgendwann meinte ich zu Hark: Mach das doch auch. Als das Drehbuch fertig war, hat er es einem Freund zum Lesen gegeben, der Verleger ist. So kam es schließlich auch zu dem Roman.

**Die Geschichte spielt in den letzten Kriegsmonaten. Wie sehr hat sich die Insel seitdem optisch verändert?**

Amrum ist heute viel grüner. Wir Deutschen haben so eine seltsame Angewohnheit, gerade in Schleswig-Holstein, dass wir lauter Gewächs um unsere Häuser anpflanzen. Noch eine Hecke hier und ein Busch dort, damit man auf keinen Fall reingucken kann. Früher war das anders. 1945 sah die Insel viel karger aus. Darum haben wir bestimmte Sequenzen in Dänemark gedreht, an der Nordseeküste, wo es noch relativ unbepflanzte Gegenden gibt.

**Im Fokus steht der 12-jährige Nanning, gespielt von Jasper Billerbeck. Was für ein Junge sollte er sein?**

Eigentlich sind es zwei Kinder, Nanning und sein bester Freund Hermann. Zwischen beiden gibt es einen wesentlichen Unterschied. Kian Köppke ist so ein Typ, den mag man sofort, mit seinen großen braunen Augen, seiner Freundlichkeit. Ein kleiner Star wie aus einem amerikanischen Film. Bei Nanning dagegen war es mir wichtig, den Zuschauern die Sache nicht zu einfach zu machen. Er ist der Sohn von Nazis - auch wenn er nichts dafür kann. Man darf ihn nicht sofort mögen. Er muss sich die Sympathie des Publikums erst erarbeiten.

**Ist das nicht sehr klischeehaft gedacht?**

Vielleicht. Aber ich musste an 1900 von Bertolucci denken. Gérard Depardieu spielt darin einen Linken und Robert De Niro seinen rechten Counterpart. Man erkennt sofort, bei welcher Figur die Sympathie liegt. Das wollte ich vermeiden. Jasper gibt der Figur etwas Ambivalentes, schon rein optisch. Er sieht ein bisschen aus wie Helmut Schmidt als Teenager. Er hat eher ein Denker-Gesicht, nichts wirklich Ländliches. Und diese Belesenheit, auch das Elitäre, all das verwirrt im ersten Moment.

**Wie sehr war „arisch“ ein Kriterium?**

Gar nicht. Dass er blond und blauäugig ist, war eher Zufall. Aber wenn ich im Nachhinein bestimmte Fotos anschaue, auf denen Diane mit den Kids zu sehen ist, hat das schon auch eine besondere Ästhetik, die ich weder beim Casting noch am Set bewusst wahrgenommen habe.

**Neben den tollen jungen Schauspielern treten Prominente wie Diane Kruger und Matthias Schweighöfer in Nebenrollen auf - aus rein pragmatischen Gründen?**

Stars im Film zu haben, ist immer ein zweischneidiges Schwert: Einerseits hat man als unabhängiger Regisseur den künstlerischen Anspruch völlig frei von irgendwelchen Zwängen zu arbeiten, andererseits braucht man Geld, damit die Filme überhaupt entstehen können. Aber mit einer kleinen Independent-Firma allein kommt man bei einem Projekt wie diesem nicht weit. Bei Diane wusste ich, dass sie auf jeden Fall mitmachen würde, egal, in welcher Rolle, ob groß oder klein.

**AMRUM ist Ihre zweite gemeinsame Zusammenarbeit nach Aus dem Nichts, in dem Diane Kruger in der Hauptrolle zu sehen ist. Wie sehr hat das von Vornherein die Dynamik verändert?**

Ich habe gemerkt, wie viele Türen ihr Mitwirken aufmacht und auf was für ein anderes Level es den Film insgesamt hebt. Das war schon toll.

**Auch diesmal verkörpert Diane als Schwester der Nazi-Mutter eine widerständige Person. Steckt da mehr dahinter?**

Darüber haben wir lange geredet. AMRUM fühlt sich in der Hinsicht wie eine Fortsetzung ihrer antifaschistischen Figur von Aus dem Nichts an. Sie ist zwar nicht per se politisch in dem Film, aber sie wird es durch den Racheakt. In Amrum nimmt ihre Figur zwar weniger Raum ein, dennoch gibt es einen Zusammenhang. Und wir haben noch weitere Projekte geplant, die sich mit der Thematik auseinandersetzen. Deswegen war ihr Auftritt hier eigentlich doch auch ein konsequentes Zwischenspiel und auf jeden Fall mehr als nur ein Cameo.

**Neben dem Krieg geht es im Film auch um Herkunft - ein Thema, das Sie in Ihren Filmen immer wieder umtreibt. Sind Sie froh, dass Sie sich aufgrund Ihrer türkischen Wurzeln zumindest die Schuldfrage der Deutschen am Holocaust nie direkt selbst stellen mussten?**

Ich habe mich in THE CUT mit dem Völkermord an Armeniern auseinandergesetzt. Dabei habe ich viel gelernt. Vor dem Film war ich so drauf: Der Holocaust ist nicht meine Baustelle, das geht mich nichts an. Aber während der Arbeit an dem Projekt wurde mir mehr und mehr bewusst: Mensch ist Mensch. Völkermord ist Völkermord. Wir alle tragen die Verantwortung. Immer.

**Sie habe an anderer Stelle erwähnt, die Arbeit an AMRUM hätte Ihre deutsche Seele berührt. Was genau meinen Sie damit?**

Goethe hat es auf den Punkt gebracht. Er sagte: Da, wo die Bildung ist, ist das Vaterland. Auch ich habe Lesen und Schreiben auf Deutsch in Deutschland gelernt. Die ersten Filme habe ich im deutschen Fernsehen gesehen. Es mögen amerikanische, französische oder italienische Filme gewesen sein, aber sie waren auf Deutsch synchronisiert. Und nur weil meine Vorfahren keine Nazis waren, fühle ich mich nicht weniger von der deutschen Geschichte betroffen. Sie ist auch ein Teil von mir.

**Was macht die Zeit kurz vor Kriegsende für Sie so spannend aus erzählerischer Sicht?**

Um Ihre Frage filmisch zu beantworten, war Neorealismus ein entscheidender Kompass für mich. Ich wollte keine Nostalgie aufkommen lassen, sondern eher versuchen, die Zeit wirklich zu begreifen, von der ich erzähle. Deutschland im Jahre Null war in der Hinsicht eine wichtige Referenz, vor allem wegen der Einfachheit der Bilder, die Rossellini entwirft. Das ganze Trauma wirkt dadurch noch einmal viel stärker. Man stellt sich vor, wie die Menschen damals fast wie auf Auto-Pilot funktioniert haben müssen, weil man nur von einem Tag zum nächsten existiert.

**Spannend ist, wie Amrum vom Leben der Menschen jenseits der Front erzählt, aus der Entfernung, und doch ist die Bedrohung unmittelbar präsent.**

Im Kino tritt der Krieg meistens spektakulär in den Vordergrund, er handelt von brutalen Schlachten wie in SAVING PRIVATE RYAN oder von Hitler im Bunker mit Schäferhund wie in DER UNTERGANG. In THE ZONE OF INTEREST ist es das Nachbarhaus von Auschwitz. SON OF SAUL spielt direkt im Konzentrationslager. Aber es gibt wenig Filme, wo der Krieg nur am Rande existiert und man trotzdem spürt, welchen enormen Einfluss er auf die Gesellschaft hat.

**Eine Art Running Gag im Film ist die Sache mit dem Honigbrot, das Nanning für seine Mutter zu besorgen versucht. Selbst in diesen leichteren Momenten wird die Brutalität der Zeit erkennbar.**

Im Buch beschreibt Hark die Episode als eine Odyssee auf über 30 Seiten. Im Film ging das natürlich nicht. Für mich hat die Dramaturgie deshalb hier eher etwas von einem Computerspiel, in dem man ein Hindernis nach dem anderen überwinden muss, um aufs nächste Level zu kommen, immer mit dem Ziel im Blick. Aber jedes Mal, wenn man verliert, muss man wieder von vorne anfangen. Zurück auf Los wie beim Monopoly, um der Realität ins Gesicht zu sehen.

Fatih Akin über AMRUM: "Man darf ihn nicht sofort mögen."

In ihrem kaleidoskopischen Biopic unternimmt es Agnieszka Holland, die Facetten des Schriftstellers einzufangen, ohne ihn auf eine Interpretation festzulegen. Szenen aus Kafkas Leben, teilweise bis ins Groteske verzerrt, wechseln sich ab mit Szenen aus seinen Romanen und dokumentarischen Aufnahmen vom Kafka-Hype der Gegenwart.  Kafka findet keine Ruhe zum Schreiben, er amüsiert sich mit Max Brod über seine eigenen Texte, er fasziniert die Frauen und stößt sie vor den Kopf, und immer wieder arbeitet er sich an seinem merkantilistischen Vater ab. Sehr lose folgt der Film dabei einem chronologischen Bogen.

Grußwort von Agnieszka Holland zu FRANZ K.

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