Hier ist zunächst ein Kurzüberblick über alle Kino-Spielfilme von Hayao Miyazaki, von der Detektivstory LUPIN III über das Geister-Badehaus-Märchen CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND bis zum halluzinatorischen DER JUNGE UND DER REIHER - dann geht's zur Abstimmung.

Wir freuen uns, über alle, die mithelfen, ein Ranking zu erstellen: Vom 1. Platz (bester Miyazaki aller Zeiten) bis zum letzten Platz - welches sind die Lieblingsfilme der Cineviller*innen?

Eine Teilnahme an der Verlosung ist bis zum 17.2. möglich.

Panorama

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Welches sind eure Miyazaki-Lieblingsfilme?

Abstimmung: Alle Filme von Hayao Miyazaki - Ranked by Cinevillee

Hayao Miyazaki, Gründer und kreativer Kopf des japanischen Studio Ghibli, gewann zuletzt mit DER JUNGE UND DER REIHER den Oscar für den besten Animationsfilm. Anlässlich seines 45. Jubiläums kommt Miyazakis erster Langfilm, LUPIN III – DAS SCHLOSS DES CAGLIOSTRO aus dem Jahr 1979, in einer restaurierten 4K-Fassung erneut in die Kinos.

Arsène Lupin III (basierend auf der Manga Reihe „Lupin III“ von Kazuhiko Katō) ist der Enkel des von Maurice Leblanc erfundenen Meisterdiebs Arsène Lupin. Gemeinsam mit seinem Kollegen Jigen, einem kettenrauchenden Experten für Schusswaffen, stiehlt Lupin eine große Menge Falschgeld aus einem Casino. Die Suche nach den Fälschern bringt die beiden in das kleine Fürstentum Cagliostro, in dem der Graf nicht nur Banknoten verschiedenster Währungen druckt, sondern auch noch die Prinzessin Clarissa gefangen hält. Auch wenn der Humor noch deutlich klamaukiger ist als in späteren Filmen, die Handlung weniger übernatürlich daherkommt und sein Zeichenstil noch in vielen Momenten an „Heidi“ erinnert, ist Miyazakis einzigartige Handschrift bereits klar erkennbar. (lh)

Lupin III: Das Schloss von Cagliostro

Kiki ist 13 Jahre alt und weil junge Hexen - wie jedes Kind weiß - in diesem Alter das Haus verlassen müssen, um sich eine ,eigene Stadt' zu suchen, fliegt Kiki bei Vollmond hinaus in den klaren Sternenhimmel. Weil das Fliegen bislang ihre einzige Kunst ist, macht sie einen ganz speziellen Lieferservice auf.

Die Hexe Kiki ist 13 Jahre alt und macht einen ganz speziellen fliegenden Lieferservice auf.

Kikis kleiner Lieferservice

Prinz Ashitaka wird von einem Fluch befallen und verlässt auf der Suche nach Heilung sein Heimatdorf. Weit weg von zu Hause gelangt er zu einer Eisenhütte, in der die Menschen unter Leitung ihrer Herrscherin Eboshi Edelmetalle verarbeiten, und zu deren Betrieb sie den Wald abholzen. Ashitaka gerät mitten in den erbitterten Konflikt zwischen den Menschen und den Tieren und Geistern des Waldes, auf deren Seite auch Prinzessin Mononoke kämpft, die bei Wölfen aufwuchs und alle Menschen hasst.

Prinz Ashitaka gerät mitten in den erbitterten Konflikt zwischen den Menschen und den Tieren und Geistern des Waldes.

Prinzessin Mononoke

Die beiden Schwestern Satsuki und Mei ziehen mit ihrem Vater aufs Land, um in der Nähe ihrer Mutter zu sein, die im Krankenhaus liegt. Auf dem Dorf lernen sie einen sagenumwobenen Waldgeist kennen, den großen Totoro, der ihr Beschützer wird. Zeichentrick.

Die beiden Schwestern Satsuki und Mei lernen einen sagenumwobenen Waldgeist kennen, den großen Totoro.

Mein Nachbar Totoro

Die kleine Chihiro und ihre Eltern sind umgezogen und entdecken eine Geisterstadt, in der Chihiros Eltern in Schweine verwandelt werden. Um ihre Eltern wieder zurückzubekommen, muss Chihiro im Badehaus der Hexe Yubaba arbeiten, in dem die seltsamsten Geister und Götter ein- und ausgehen, und viele Abenteuer bestehen. Dabei hilft ihr ein Junge namens Haku.

Von allen Filmen von Hayao Miyazaki ist CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND möglicherweise der schönste.

Die kleine Chihiro muss sich und ihre Eltern vor einer Hexe retten.

Chihiros Reise ins Zauberland

Als das Goldfischmädchen Brunhilde in einem Marmeladenglas landet, rettet ihr der fünfjährige Sosuke das Leben und tauft sie Ponyo. Die beiden freunden sich an und Ponyo beginnt, sich in ein kleines Mädchen zu verwandeln. Doch durch eine Unaufmerksamkeit zerstört sie das Gleichgewicht zwischen Meer und Land. Ein Umweltmärchen.

Das Goldfischmädchen Ponyo flieht von zu Hause und verliebt sich in den Jungen Sousuke.

Ponyo – Das große Abenteuer am Meer

Die Hutmacherin Sophie wird von einer eifersüchtigen Hexe in eine 90-jährige Frau verwandelt. Um den Fluch zu lösen, verlässt sie unerkannt ihre Heimatstadt und sucht den Zauberer Hauro, in den sie sich verliebt hat.

Sophie wird von einer eifersüchtigen Hexe in eine alte Frau verwandelt. Um den Fluch zu lösen, sucht sie den Zauberer Hauro.

Das wandelnde Schloss

Das Mädchen Sheeta wird entführt und in einem Luftschiff gefangenhalten. Sie flieht und stürzt vom Himmel - direkt in die Arme des Jungen Pazu. Gemeinsam machen sie sich auf die Suche nach dem geheimnisvollen Laputa, einer fliegenden Stadt.

Zwei Waisenkinder machen sich auf die Suche nach dem geheimnisvollen Laputa, einer fliegenden Stadt.

Das Schloss im Himmel

Fantasyabenteuer von Hayao Miyazaki um die Bedeutung von Toleranz und des Respekts vor der Natur.

Nausicaä aus dem Tal der Winde

Animationsspaß von Hayao Miyazaki um die Abenteuer des vorwitzigen Fliegerasses Porco Rosso.

Porco Rosso

In DER JUNGE UND DER REIHER hat Hayao Miyazaki eigene Erlebnisse im Pazifikkrieg verarbeitet. Der Film beginnt in Tokio 1943, mitten im Zweiten Weltkrieg. Als der 12-jährige Mahito aufwacht, regnet es Feuer, und auch das Krankenhaus, in dem seine Mutter arbeitet, brennt. Mahitos Mutter überlebt die Bombennacht nicht. Ein Jahr später zieht Mahito mit seinem Vater in ein großes Anwesen auf dem Land zu seiner Tante Natsuko, die der Vater geheiratet hat, und die mit einem Geschwisterkind schwanger ist. Vieles ist seltsam in dieser neuen Welt: die langen Gänge des riesigen Hauses, die Schar der kichernden alten Hausangestellten, das dichte Grün des Waldes und der verwunschene, zugemauerte Turm, von dem es heißt, ein verrückter Großonkel habe ihn gebaut. Am seltsamsten ist vielleicht der ungehobelte Graureiher, der Mahito nicht in Ruhe lässt und ihn mit dem Versprechen, seine Mutter sei noch am Leben, in eine Welt lockt, die noch eigenartiger ist als das Gutshaus der Tante.

Wie in einem Traum fließen die Räume ineinander, wird aus einem Palast ein wildes Meer, ein Garten, das Ende der Welt. 

Hayao Miyazaki hat eigene Erlebnisse im Pazifikkrieg zu einer fast frei assoziierten Fantasiewelt verarbeitet. 

Der Junge und der Reiher

Der Träumer Jiro Horikoshi möchte am liebsten in selbst entworfenen Flugzeugen durch den Himmel gleiten. Er steigt 1927 bei einem japanischen Ingenieursbüro ein und revolutioniert in den folgenden Jahren den Flugzeugbau weltweit.

Der Träumer Jiro Horikoshi möchte am liebsten in selbst entworfenen Flugzeugen durch den Himmel gleiten.

Wie der Wind sich hebt

Preview #Februar: MARTY SUPREME // Auch im Februar gilt: Cineville-Abonnent*innen können eine Begleitperson kostenfrei mit ins Kino nehmen!

Die Cineville-Preview 

Alle Neustarts vom 12.2.-18.2.

Pamela Jahn

**Pamela Jahn: Herr Park, Ihr Protagonist Man-soo wird in einem Vorstellungsgespräch nach seiner größten Schwäche gefragt. Was würden Sie antworten?**

Park Chan-wook: Schwer zu sagen, aber ich würde nicht den Fehler begehen, daraus einen Witz zu machen. Das lässt einen nur dumm aussehen.

**Haben Sie Verständnis für seine wachsende Frustration und Verzweiflung aufgrund seiner Arbeitslosigkeit?**

Für die entlassenen Angestellten, zu denen auch Man-soo gehört, bedeutet ihre Arbeit alles. Man spürt es, wenn Sijo sagt, die Papierherstellung sei eine ganz eigene Kunst. Gleiches gilt auch für uns Filmschaffende, die Crewmitglieder und alle anderen, die in der Branche tätig sind. Die meisten von uns lieben ihre Arbeit. Und natürlich hatte auch ich Phasen, in denen ich nicht wusste, wie es für mich als Regisseur und Autor weitergeht. Nur wäre ich selbst nie auf die Idee gekommen, einen Amoklauf zu starten. Mich persönlich hat in diesen dunklen Momenten das Drehbuchschreiben gerettet. Die Gewalt in meinen Filmen kommt nicht von ungefähr. 

**NO OTHER CHOICE basiert auf dem Horror-Thriller THE AX von Donald Westlake. Der Roman erschien 1997. Sie haben sehr lange an der Adaption gearbeitet. Was konkret hat Sie an der Geschichte gereizt?**

Als ich das Buch zum ersten Mal las, kamen mir direkt ein paar Ideen, was ich im Film anders machen würde. Obwohl das Original sehr gut war, hatte ich das Gefühl, ich könnte dem Ganzen noch eine weitere Dimension hinzufügen. 

**Inwiefern?**

Ich überlegte, wie sich die Dynamik der Geschichte verändern würde, wenn Man-soos Frau und Kinder ihm auf die Schliche kommen. Denn letztendlich begeht er diese abscheulichen Taten für seine Familie. Das Paradoxe ist nur, dass er sich dadurch immer weiter von den Menschen entfernt, die ihm am Herzen liegen. Sein ursprüngliches Motiv wird plötzlich nicht nur in Frage gestellt, sondern komplett hinfällig, und er fühlt sich leer und doppelt gescheitert.

**Ist Man-soo ein Opfer des Kapitalismus?**

Ich würde es anders formulieren: Sein Problem ist, dass er die Waffe auf das falsche Ziel richtet. Wäre er klüger, würde er anders handeln. Vielleicht würde er eine Gewerkschaft gründen, das Unternehmen verklagen oder sich einer innovativen friedlich-revolutionären Bewegung anschließen, um auf diese Weise gegen das System vorzugehen. Leider ist er weder so intelligent noch so mutig. Er setzt seine Kräfte für die falschen Dinge ein.



**Eine besondere Rolle spielt das beeindruckende Haus der Familie, das sie angesichts der prekären finanziellen Situation zu verlieren drohen. Was hat es damit auf sich?**

Im Koreanischen kann das Wort Haus sowohl „Zuhause” als auch „Familie” bedeuten. Auf diese Weise wird dem physischen Wohn- und Lebensraum automatisch ein ungemein höherer Wert beigemessen. Die meisten Koreaner sind wie besessen von der Vorstellung, ein Eigenheim zu besitzen, denn eine Wohnung zu mieten und ständig umzuziehen, ist für sie gleichbedeutend mit Unsicherheit. Sie fühlen sich nur dann geborgen und wertvoll, wenn die Hypothek abbezahlt ist und das Haus vollständig ihnen gehört.

**Warum haben Sie Schauplätze ausgewählt, die sehr in der Natur verwurzelt sind?**

Die Männer im Film haben alle etwas gemeinsam: Ihre persönliche Ausstrahlung ist eng mit den Häusern verbunden, in denen sie leben. Bei Man-soo gehört dazu ein großer Garten, er liebt Pflanzen, insbesondere die Bonsai-Bäume in seinem Gewächshaus, um die er sich liebevoll kümmert. Einerseits erinnern sie daran, dass Bäume die Rohstoffe für Papier sind. Andererseits haben sie etwas Friedliches und Beruhigendes an sich. Damit stehen sie im harschen Kontrast zu den Verbrechen, die er begeht. 

**Ursprünglich war der Film als eine weitere englischsprachige Produktion angedacht. Was hat Sie dazu bewogen, Ihren Plan zu ändern?**

Ganz einfach: Ich wollte den Film nicht mit einem unzureichenden Budget realisieren, und darauf lief es hinaus. Nachdem ich DECISION TO LEAVE gedreht hatte, begann ich darüber nachzudenken, die Geschichte nach Korea zu verlegen. Ich musste einige Anpassungen vornehmen. Zum Beispiel, wie das Justizsystem funktioniert, wie die Polizei handeln würde und auch die KI-Element haben wir in der Überarbeitung hinzugefügt.

**Warum war Ihnen das wichtig?**

Ich habe bereits angesprochen, dass Man-soo seine Wut nicht auf das System richtet. Eine weitere Dummheit, die ich darstellen wollte, ist, dass der Wettbewerb längst nicht mehr zwischen den Menschen stattfindet. Richtig? Sie werden allesamt durch KI aus ihren Positionen verdrängt. Seine Verbrechen, all diese grausamen Taten, wozu waren sie gut? Er mag vorerst einen neuen Job gefunden haben. Aber für wie lange? Das wissen wir nicht.

**Wieviel von einem Monster steckt wirklich in Man-soo?**

Durch die drei Morde hat er sich zu einem Killer entwickelt. Und das scheint sehr bedrohlich zu sein. Aber was noch schlimmer ist: Auf diesem Weg gewinnt er sein Selbstvertrauen zurück. Sein Gefühl von Männlichkeit wächst immer weiter, sowohl als Ehemann als auch als Vater, je geschickter er im Töten wird, fast proportional dazu. Im Grunde ist es für ihn ein doppeltes Glück, dass er letztlich eine neue Anstellung findet, denn sonst wäre vielleicht ein bezahlter Killer aus ihm geworden. 

**Als klar war, dass Sie die Geschichte nach Korea verlegen würden, haben Sie in dem Moment sofort an Lee Byung-hun für die Hauptrolle gedacht?** 

Ja, aber für mich ist er mehr als der SQUID GAME-Superstar. Wir sind schon lange befreundet, und ich habe ihm in der Vergangenheit oft gesagt: „Du siehst zu jung aus, um in einem meiner Filmen mitzuspielen.“ Aber jetzt dachte ich, es könnte funktionieren. Mittlerweile sind zumindest einige Falten in seinem Gesicht erkennbar und er wirkt auch äußerlich endlich wie ein Mann mittleren Alters. 

**Sie spielen im Film auch auf die Bedeutung von Netflix für den Konsumwandel an. Haben Sie selbst SQUID GAME angeschaut?**

Ja, natürlich. Neben Lee Byung-hun kenne ich den Regisseur der Serie sehr gut. Und ich habe noch andere Schauspielerfreunde, die im Ensemble mitgewirkt haben. Davon abgesehen bin ich selbst nicht unschuldig. Ich habe vor meinem letzten Film UPRISING ebenfalls mit Netflix zusammengearbeitet. Es war also keineswegs als eine Art Seitenhieb gemeint. Ich habe die Szene vielmehr eingebaut, um Man-soos Betroffenheit zu zeigen, als ihm klar wird, dass er sich den Streamingdienst nicht mehr leisten kann. Für ihn ist das eine Katastrophe. 

**Hat Ihre Erfahrung, den Film nicht in den USA drehen zu können, Sie davon abgehalten, wieder in Hollywood arbeiten zu wollen?**

Nein, nachdem ich NO OTHER CHOICE dennoch verwirklichen konnte, bin ich zufrieden und hege auch keinen Groll gegen die Studios in Amerika. Ich mache mir nichts vor. Letztendlich liegt es immer in den Händen der Finanziers, welches Projekt ich als Nächstes angehe, egal wo. So ist die Realität. Aber ich bin zuversichtlich, dass ich irgendwann in die USA zurückkehre. Ich habe noch ein paar Ideen, die ich gerne auf English umsetzen würde.

**Was schwebt Ihnen vor?**

Auf jeden Fall ein Rache-Western sowie die Realverfilmung des japanischen Sci-Fi-Anime/Romans „Genocidal Organ“ über einen Mann, der einen Bürgerkrieg anzettelt.

**2020 schrieb Ihr geschätzter Kollege Bong Joon-ho mit PARASITE Oscar-Geschichte als erster nicht-englischsprachiger Film, der jemals mit dem Hauptpreis ausgezeichnet wurde. Wie hat sich dieser weltweite Erfolg auf das koreanische Kino ausgewirkt?**

Wir alle betrachteten den Oscar-Gewinn als den Höhepunkt der gesamten Geschichte und Tradition, die das koreanische Kino im Laufe der Jahre aufgebaut haben. Es entstand eine Art Gemeinschaftsgefühl unter uns Filmemachern, dass wir den Erfolg miteinander teilten. Aber leider brach unmittelbar danach die Pandemie aus. Viele Kinos gingen direkt bankrott. Und mehr als in jedem anderen Land der Welt leidet die koreanische Filmindustrie weiterhin sehr stark an den Folgen von Corona. Dieser Niedergang nach einem so stolzen Moment ist zutiefst bedauerlich. Ehrlich gesagt, herrscht zurzeit noch immer eine ziemliche Ratlosigkeit.

**Mussten Sie jemals konkret um Ihren Job fürchten?**

Es gab durchaus Momente, in denen ich mich emotional darauf vorbereitet habe, dass mir möglicherweise eine sehr lange Phase der Arbeitslosigkeit bevorstehen könnte. Immer wenn man zwischen zwei Projekten steht und darauf hofft, die nächste Produktion finanziert zu bekommen, ist dieses Bangen wieder da. Dann denke ich auch heute noch oft, dass mein aktueller Film vielleicht mein letzter gewesen sein könnte. Man weiß nie, was kommt. Schon gar nicht, in dem derzeitigen Klima.


Interviews

Regisseur Park Chan-wook über NO OTHER CHOICE: "Man-soos Problem ist, dass er die Waffe auf das falsche Ziel richtet."

**Pamela Jahn: Frau Ben Hania, mit Ihrem Film machen Sie sich unweigerlich zum Sprachrohr für die Leiden in Gaza. Wie gehen Sie mit der Verantwortung um?**

Kaouther Ben Hania: Ich bin Regisseurin, ich drehe Filme und spreche von Natur aus nicht gerne über meine Arbeit. Mir wäre es lieber, wenn die Menschen einfach ins Kino gehen und sich selbst ein Bild machen würden. Mein Hauptanliegen war es, der Stimme dieses kleinen Mädchens Gehör zu verschaffen, um dadurch dem Schmerz und den Qualen in Gaza insgesamt Ausdruck zu verleihen.

**Wann haben Sie die Stimme von Hind Rajab zum ersten Mal gehört?**

Ich bin ein politisch interessierter Mensch und habe von Anfang an verfolgt, was in Gaza passiert. Der Rote Halbmond hatte nach ihrem Tod einen kurzen Ausschnitt der Tonbandaufnahme im Internet veröffentlicht. Immer wieder sagte sie: „Rettet mich, rettet mich.“ Als ich ihre Stimme hörte, fühlte ich mich direkt angesprochen. Es war, als würde sie mich persönlich um Hilfe bitten.

**Bis zur Premiere Ihres Films in Venedig war der Fall nicht weitreichend bekannt.** 

Sie haben recht, selbst in meiner Familie wusste niemand davon. Aber für mich gilt: Wenn man Anne Frank kennt, sollte man auch Hind Rajab kennen. 

**Ihr Film veranschaulicht eindringlich, die Verzweiflung der Rettungskräfte angesichts der bürokratischen Hürden, die sie am Eingreifen hindern. Hat Sie das Ausmaß der behördlichen Kontrolle von beiden Seiten schockiert?**

Ich habe mich bewusst dafür entschieden, das Geschehen aus der Sicht der Mitarbeiter*innen des Roten Halbmonds zu erzählen. Der Sitz der Zentrale, wo die Hilferufe eingehen, liegt in Ramallah. Wenn sie von dort aus ohne Absprache mit der israelischen Armee einen Krankenwagen nach Gaza geschickt hätten, wäre der automatisch angegriffen und zerstört worden. Es kam also auf die richtige Koordination an. Sie mussten sich über drei Ecken mit der Armee absprechen, die ihre eigenen Leute tötet, um die Rettungsaktion durchzuführen - eine grauenvolle Situation. Man muss sich das einmal vorstellen: Überall sonst auf der Welt, würde man sofort den Notarzt schicken, wenn ein Kind Hilfe braucht. Nur nicht in Gaza. Wer dort Leben retten will, muss kafkaeske Manöver überwinden. 

**Der Koordinator Mahdi besteht auf das offizielle Go und eine gesicherte Route; sein Kollege Omar ist dagegen, noch länger zu warten. Haben Sie sich gefragt, wie Sie entschieden hätten?**

Ich kann beide Positionen nachvollziehen. Sie wollen das Gleiche: das Mädchen retten. Theoretisch könnten die Ambulanz in acht Minuten bei ihr sein. Nur will Madhi nicht noch mehr Leben riskieren, indem er seine Sanitäter ohne Genehmigung rausschickt. Für Omar, der unmittelbar mit Hind in Kontakt steht, hat ganz klar die Kleine im Auto Vorrang. Am Ende verlieren alle. Das ist der reale Horror. Das ist für mich jenseits des Bösen.

**Aus acht Minuten werden Stunden. Omar skizziert den Zeitverlust auf einer Glaswand. Steht die gemalte Schleife indirekt für die Ewigkeit?**

Wir überlegten, wie wir sowohl die Komplexität der Lage als auch den Zeitfaktor verdeutlichen konnten. Ich hatte das Gefühl, dem einen visuellen Ausdruck geben zu müssen. Da passte das Bild: In dem Fall sind die acht Minuten wie eine Ewigkeit.

**Gab es eine Stellungnahme der israelischen Regierung, warum sie den Krankenwagen nach der Freigabe zur Rettung trotzdem bombardierten?**

Offiziell heißt es, sie seien nicht dort gewesen. Doch trotz aller Schwierigkeiten für internationale Medien, aus Gaza zu berichten und Fakten zu verifizieren, haben Reporter von Sky News und der Washington Post im Nachhinein eine längere Untersuchung durchführen können. Daraufhin veröffentlichte Sky News ein Satellitenfoto, das den Panzer vor Ort zeigt. Ungeachtet dessen blieb man in Israel bei der Behauptung, das Militär sei nicht involviert gewesen. Sie leugnen es bis heute. 

**Sie verzichten in Ihrem Film auf jegliche politische Einordung des Geschehens. Warum?**

Ich verfolge keine politische These, mir geht es um Empathie, um eine Verbindung zwischen Menschen. Darin liegt die Stärke des Kinos. Natürlich basiert die Geschichte unweigerlich auf den realen Ereignissen rund um den Terrorangriff der Hamas auf Israel. Sie existiert überhaupt nur aufgrund des politischen Kontexts, in den sie eingebettet ist. Aber dafür muss man den Menschen nicht noch einmal erzählen, dass am 7. Oktober 2023 Kämpfer der Hamas vom Gaza-Streifen aus nach Israel eindrangen, Militärposten überrannten und Kibbuze sowie das Musikfestival Nova überfielen. 

**Wie sind Sie konkret an die Inszenierung herangegangen?**

Beim Filmemachen geht es um Bilder, aber auch um Töne. Hier balancieren wir auf besondere Weise zwischen beiden Ebenen: Zum einen gibt es den offenen Raum, die verglasten Büros des Roten Halbmond. Gleichzeitig erleben wir das Geschehen am Tatort, vermittelt durch die Stimme von Hind Rajab übers Telefon. Für mich war es sehr wichtig, zwischen dem Dokument, also der realen Tonaufnahme, und der lähmenden Erfahrung von Hilflosigkeit zu navigieren, denen die Mitarbeiter*innen vom Roten Halbmond ausgesetzt sind. Das eine ohne das andere hätte nicht funktioniert.

**Hatten Sie zunächst Bedenken, Hinds Originalstimme zu verwenden? Gab es Überlegungen, die Aufnahme von einer Schauspielerin nachsprechen zu lassen?**

Bevor man eine Option ausschließt, legt man sie immer erst einmal auf den Tisch. Und klar, am Anfang war das in der Diskussion. Doch dann sagte Hinds Mutter: „Ich möchte, dass die Stimme meiner Tochter gehört wird.“ Damit nahm sie mir die künstlerische Entscheidung ab. Unabhängig davon bewege ich mich in meinen Filmen stets zwischen Erzählung und Dokumentation, denn für mich gibt es da keinen Unterschied. Es ist immer ein fließender Prozess.

**Wie offen war der Austausch mit den Helfern vom Roten Halbmond, die im Film vorkommen?**

Das Entscheidende war, dass ich sie porträtieren durfte. Ich brauchte ihre Zustimmung und ihr absolutes Vertrauen. Sie waren von Anfang an enge Partner bei der Entwicklung des Drehbuchs. Bei den Proben haben sie mit den jeweiligen Schauspieler*innen zusammengearbeitet. Es handelt sich bei dem Team ausschließlich um Palästinenser, sie alle brachten ihre eigenen Geschichten und ihren eigenen Schmerz mit ein. Gemeinsam mit meinem Kameramann Juan Sarmiento haben wir beschlossen, dass wir lange Einstellungen drehen würden, um den Darsteller*innen die Möglichkeit zu geben, sich entsprechend in die Szenen einzufühlen. Mit einer klassischen Drehsituation am Set kann man die Arbeit nicht vergleichen.
 
**Hat sich Ihre emotionale Reaktion auf die Tonbandaufnahme verändert, je öfter Sie Hinds Stimme gehört haben?**

Als ich die gesamte Aufnahme zum ersten Mal hörte, war ich dermaßen erschüttert, dass ich mich ernsthaft fragte, ob ich den Film wirklich umsetzen könnte. Der Schock war enorm. Allerdings wurde parallel dazu das Team bereits größer, und immer wieder mussten wir das Band aufs Neue abspielen. An der intensiven Wirkung ihrer Stimme auf mich hat sich seither jedoch nichts geändert. Mir schießen jedes Mal wieder Tränen in die Augen.

**Wie sind Sie an den kompletten Originalmitschnitt herangekommen?**

Das Rote Kreuz stellte mir alle Informationen zur Verfügung. Ich wusste, dass auch Al Jazeera das Material wollte, ebenso wie die Washington Post. Aber als ich im Laufe der Recherche schließlich mit dem Kulturministerium des Westjordanlandes sprach, stellte sich heraus, dass der zuständige Konsul meine Filme kannte - das war mein Vorteil. So gelangte ich an die Sprachmitteilungen der Familie, den detaillierten Austausch zwischen Helfern und Angehörigen, sowie sämtliche Protokolle und Unterlagen, die dokumentierten, was an dem Tag passiert war. 

**Sie waren 2021 für Ihren Film DER MANN, DER SEINE HAUT VERKAUFTE für einen Oscar nominiert und erneut im Vorjahr für Ihren Dokumentarfilm-Hybrid OLFAS TÖCHTER. Sicher wurden Ihnen seitdem auch zahlreiche Projekte aus Hollywood angeboten?**

Ja, aber nur vorgefertigtes Zeug. Es ist immer das Gleiche: Ich bin eine Regisseurin, dazu aus Nordafrika. Damit sind schon mal zwei Boxen getickt. Aber das heißt noch lange nicht, dass mich der Stoff begeistert, um den es geht. Filmemachen ist sehr anstrengend. Es braucht Zeit. Es braucht meine ganze Aufmerksamkeit. Ich würde mich nie allein aus Prestigegründen auf ein Projekt einlassen. Den Fehler mache ich nicht. Dafür bin ich viel zu leidenschaftlich bei der Sache.


Regisseurin Kaouther Ben Hania über DIE STIMME VON HIND RAJAB: "Als ich ihre Stimme hörte, fühlte ich mich direkt angesprochen."

**Pamela Jahn: Frau Enyedi, was verbindet die drei Figuren im Film über den Ginkgobaum hinaus miteinander?**

Ildikó Enyedi: Goethes naturwissenschaftliches Werk, das ich unglaublich originell und beeindruckend finde. Die Newtonsche Sichtweise einer Suche nach gottgleichen Zielen und einem separaten Experimentator beherrschte das wissenschaftliche Leben bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. Goethe dagegen plädierte für eine partizipative Wissenschaft. Und im Grunde folgen alle drei Protagonist*innen unbewusst seinem Weg. 

**Sind Sie selbst ein sehr naturbewusster Mensch?**

Meine Verbindung zur Natur ist nicht instinktiv. Ich bin über die Literatur dazu gekommen. Ich war schon immer eine Leseratte, wie man so schön sagt.
 
**Mussten Sie eine ähnliche Chemie zu dem Baum im Film aufbauen wie zu Ihren Schauspieler*innen?**

Auf jeden Fall. Es ist kein Zufall, dass wir den alten Ginkgo erst ganz am Ende des Films in seiner ganzen Pracht sehen. Zuvor zeigen wir nur Teile davon, verschiedene Aspekte.

**Warum?**

Die Idee dahinter ist, dass das Publikum im Laufe des Films langsam eine Beziehung zu diesem besonderen Protagonisten aufbaut - beziehungsweise der Protagonistin, denn der Baum ist weiblich. Wenn man keinen direkten Bezugspunkt hat, zum Beispiel einen Menschen, der danebensteht, kann man sich die Größe des Baums nicht wirklich vorstellen. Zudem haben wir in allen vier verschiedenen Jahreszeiten gedreht, um den radikalen saisonalen Wandel zu zeigen, ebenso wie die Zeitreise durch sein 120-jähriges Leben.

**Greta, gespielt von Luna Wedler, ist die Erste, die mit dem Baum und seinen geheimen Kräften in Berührung kommt. Wie verändert die Begegnung ihre Sichtweise auf die Welt?** 

Für Greta ist die Aufnahmeprüfung an der Universität zwar eine traumatische Erfahrung, aber danach betrachtet sie ihre Umgebung mit ganz anderen Augen. Das Erotische, Sinnliche der Natur war ihr verborgen. Für eine junge Frau zur Jahrhundertwende war das ein großes Tabu und plötzlich macht sie diese zutiefst beunruhigende und zweideutige Erfahrung. Aber schließlich findet sie Frieden neben dem Baum und den Mut, sich dieser Sinnlichkeit der Pflanzen zu stellen und sie durch Fotografie zu erforschen.
 
**Für Hannes hingegen, der in den 1970er Jahren lebt, dreht sich alles um Empfindungen und das Erforschen der Sinne.**

Als Junge vom Land hat er einen ganz anderen Zugang: Er versteht es, sich instinktiv den Pflanzen nähern, sowohl physisch als auch intellektuell. Ich erinnerte mich beim Schreiben an Goethes „Die Leiden des jungen Werther“, wo es am Anfang eine Stelle gibt, an der Werther im Gras liegt. Er kommt im Mai 1771 in Wahlheim an und freut sich über den Frühling. Die Natur blüht auf, ganz so wie Werther, der darüber zum Maikäfer werden möchte. Es erscheint ihm wie eine Offenbarung.

**Sie sind selbst in den 1970er Jahren aufgewachsen. Fühlen Sie sich dieser Episode am nächsten?**

Ich liebe es, dass ich irgendwie zu keiner Generation gehöre. Ich fühle mich eher in einer sehr fernen Vergangenheit zu Hause, sowie in der Gegenwart und vielleicht auch ein bisschen in der Zukunft. Es gibt Menschen, die lieber in Erinnerungen an ihre Kindheit oder ihre frühen 20er Jahre schwelgen, aber bei mir ist das anders. Die Zeit zwischen sechzehn und neunzehn verbrachte ich in Südfrankreich an einer Post-68er-Schule. Es gab damals viele politische Bewegungen, die sehr präsent und aktiv waren. Aber was mich viel mehr interessierte, waren die Wissenschaftler, die die Kühnheit und, wenn man so will, eine dumme Naivität hatten, um die Rahmenbedingungen unseres Lebens neu zu überdenken. 

**Waren es speziell Goethes naturwissenschaftliche Schriften, die Sie zu diesem Film inspiriert haben?**

Er war sicher eine sehr wichtige Inspiration, aber es war keine spontane Entscheidung. Auch die akademischen Pflanzenexperimente aus den 1970er Jahren, die ich gerade angesprochen habe, sind mir immer im Hinterkopf geblieben. Dahinter verbirgt sich ebenfalls ein sehr intellektueller Ansatz. Es geht darum eine Maschine, Sensoren und eine Schnittstelle zu entwickeln, um herauszufinden, was im Inneren eines anderen Lebewesens vor sich geht. Zu Goethe muss ich noch hinzufügen: Ich hatte lange gewisse Vorbehalte gegenüber einigen Teilen seines literarischen Werks. Aber seine Naturwissenschaft hat mich schon immer extrem begeistert. 

**Woher kommen Ihre Vorbehalte gegenüber Goethes literarischem Werk?**

Als Teenager war ich ein Schiller-Fan - entweder oder.

**Glauben Sie, dass Goethe als Wissenschaftler unterschätzt wurde?**

Auf jeden Fall. Ich finde seinen Ansatz sehr modern, und auch für die heutige Zeit relevant. Es war eine meiner vielen Absichten, zu zeigen, dass er recht hatte.


**Steckt in Ihnen insgeheim auch eine leidenschaftliche Forscherin?**

Mein Vater war ein sehr renommierter Wissenschaftler, deshalb wollte ich instinktiv Abstand halten. Aber aus mir wäre sonst sicher auch eine gute Wissenschaftlerin geworden, weil ich gut darin bin, lange an einer Sache zu arbeiten. In der Forschung braucht man eine Vision, aber um dieser Vision zu dienen, sie zu testen, zu sehen, muss man das Risiko eingehen, viele Jahre lang einen bestimmten Weg zu gehen, bis man zu einem Ergebnis kommt oder nicht. 

**Ihr Film ist insofern wissenschaftlich, als Sie versuchen, die Verbindung zwischen den Menschen und der Natur mithilfe von Infrarotwellen und spezifischen Geräuschen sichtbar und auch akustisch zugänglich zu machen.**

Ja, in diesem Sinne ist es kein klassisch von der Geschichte vorangetriebener Film. Sie haben die Geräusche bereits angesprochen, aber auch Gerüche und Berührungen, also alles, was wir im Kino nicht direkt erleben können, Unaussprechliches und Unsichtbares, wollte ich indirekt vermitteln. Dafür mussten wir bestimmte Klänge erfinden, denn manchmal handelt es sich um taktile Empfindungen, Gefühle, Veränderungen des gesamten inneren Seelenzustands. 

**Können Sie ein Beispiel nennen?**

Ganz am Anfang des Films sieht man, wie sich ein Samenkorn langsam öffnet und sich zu einem Keim entwickelt - ein winziger Vorgang, aber auf der Leinwand erscheint er in Großaufnahme. Wir haben tagelang an den Geräuschen dafür gearbeitet, die sehr klebrig und ein wenig fremdartig klingen. Sie sind aggressiver und unheimlicher, als man es von einem kleinen Keim erwarten würde. Ich wollte dem Zuschauer vermitteln, dass dies kein Film mit hübschen kleinen Blumen sein würde. Die Natur hat Kraft, sie hat Geheimnisse, sie hat ihre ganz verborgene Schönheit, und man muss sie ernst nehmen und respektieren.
 
 **In Ihrem Film geht es auch um das Verlangen nach Zugehörigkeit. Ist das für jemanden mit Ihrem migrantischen Hintergrund das Thema, womit Sie sich am meisten identifizieren können?**

Ich bin gerne allein, ich fühle mich nicht einsam. Aber ich spüre stets eine persönliche Art von Barriere zwischen mir und dem Rest der Menschheit. Ich bewundere diejenigen Menschen, die sich ganz und gar selbst genügen. Das ist überhaupt nicht ironisch gemeint. Seit meiner Kindheit versuche ich über eine imaginäre Brücke eine Verbindung zwischen mir und der Welt herstellen, um irgendwie mein Existenzrecht zu beweisen. Es braucht eine Schnittstelle. Ich glaube, viele kreative Menschen verspüren einen ähnlichen Drang. 

**Ist das in etwa das Gefühl, das Sie mit Ihrem vorherigen Film ON BODY AND SOUL vermitteln wollten?**

In dem Film habe ich nach diesem Zustand gesucht, den wir alle so sehr genießen, eine Art «Flow». Wenn wir träumen, können wir nicht politisch korrekt sein, wir können nicht höflich sein oder über unsere Träume entscheiden. Ich gehöre beispielsweise auch zu den Menschen, die alberne Katzenvideos auf YouTube anschauen. Warum? Weil wir ein Wesen sehen, das ganz da ist, ohne Einschränkungen, ohne Pläne oder Reue, ohne etwas zu verbergen, ohne den Wunsch, sich zu verhalten. Ähnlich ist es mit dem Baby im Film, das die Figur von Tony Leung erforscht. 

**Haben Sie das Gefühl, dass ON BODY AND SOUL und SILENT FRIEND enger miteinander verbunden sind als beispielsweise Ihr episches Liebesdrama THE STORY OF MY WIFE?**

Ich mag diesen Film sehr, es ist ein buddhistischer Film. Er hat einen besonderen Platz in meinem Herzen, nicht zuletzt, weil er weitgehend missverstanden wurde. Ich bin denjenigen zutiefst dankbar, die ihn entdeckt haben und auf die eine oder andere Weise von ihm berührt wurden. Der Protagonist ist ein traditioneller Typ, ein Kapitän, der wie viele Männer heutzutage nicht versteht, was aus den Regeln und Normen wurde, mit denen er aufgewachsen ist, und was nun von ihm erwartet wird. Ich wollte diese tiefe Unruhe in ihm zeigen, und dass er am Ende des Films nach vielen Schmerzen versteht, dass man der Natur bedingungslos ausgesetzt ist, dass man selbst als Kapitän weder den Ozean noch andere Menschen kontrollieren kann.

**Glauben Sie an einen weiblichen Blick im Kino?**

Es gibt viele verschiedene Sichtweisen, aber wir haben vor allem unseren persönlichen, kulturell geprägten Blick. Wir sind eine Interferenz unserer körperlichen Erfahrungen. Der sogenannte „female gaze“ ist nur ein Aspekt von vielen, aber er existiert. Bei uns daheim gibt es eine Abkürzung, um von hinten ins Haus zu gelangen, eine recht dunkle Gasse. Es gibt kein Licht. Mit Anfang zwanzig gestand mir mein Sohn, dass er als Kind lange Zeit Angst hatte, diese Gang zu durchqueren. Erst seit er ein Teenager ist, nimmt er gerne die Abkürzung. Meine Tochter sagte ironischerweise, genau zu diesem Zeitpunkt setzte bei ihr die Angst ein, die Gasse im Dunkeln allein zu betreten. 

**Abschließend eine große Frage: Sehen Sie Ihren Film in gewisser Weise auch als Beitrag, um die aktuelle Klimadebatte wieder zu stärken?**

Ja, ich bin wirklich verzweifelt, wenn ich sehe, wie wir unsere letzten Chancen verspielen. Es gibt jetzt diese sehr starke Gegenbewegung. Ich weiß gar nicht, wie ich sie nennen soll. Ich möchte sie nicht als konservativ bezeichnen, weil sie das nicht verdient. Sie zerstört nur noch mehr die Demografie, und es ist schockierend zu beobachten, wie effektiv sie ist. Ich schäme mich im Namen meiner Generation, dass wir den jungen Menschen heutzutage nicht mehr zu bieten haben. 


Von Goethes Naturwissenschaft zu "the female gaze"