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Panorama

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Alle Neustarts der Woche

Im Jahr 2014 – ein Jahr nach der Einführung der gleichgeschlechtlichen Ehe in Frankreich – erwarten Céline und Monia ein Kind. Schwanger ist Monia, und die französische Gesetzeslage verlangt (ähnlich der deutschen) von Céline, ihr eigenes Baby nach dessen Geburt zu adoptieren, um auch rechtlich Mutter sein zu können. Dafür benötigt sie 15 Briefe von Familie und Freund\*innen, die ihre Tauglichkeit als Elternteil beweisen sollen.

Alice Douards Langfilmdebüt ist ein bemerkenswert dezenter, gar zärtlicher Protestfilm.

Um neben ihrer schwangeren Ehefrau Monia als Mutter anerkannt zu werden, benötigt Céine 15 Zeugnisse von Familie und Freund\*innen.

15 Liebesbeweise

In der ersten Szene sitzt das alte Ehepaar Joan und Larry noch vertraut zankend im Auto. Wenige Momente später ist er an einer Brezel erstickt und im Jenseits. In diesem Transitbereich, der einem Flughafen gleicht, müssen die Verstorbenen sich für eine Ewigkeit entscheiden, in der sie für alle Zeit bleiben müssen. Hier wartet Larry, dass Joan nachkommt, aber außer ihm wartet noch jemand: der unglaublich gut aussehende Luke, Joans erster Ehemann, der im Koreakrieg gefallen ist. Joan muss entscheiden, wo und mit wem sie die Ewigkeit verbringen will.

Der Film lädt dazu ein, sich an jeder Windung selbst zu fragen, was wäre wenn.

Im Transitbereich des Jenseits müssen die Verstorbenen entscheiden, wo sie die Ewigkeit verbringen möchten – und mit wem.

Eternity (2025)

Kalkutta 1948. Mutter Teresa ist 38 und Oberin der Loretoschwestern. Sie wartet auf die Genehmigung des Vatikans, ihren eigenen Orden zu gründen. In den sieben Tagen, bevor Mutter Teresa ihre Genehmigung erhält und zu ihrer Mission aufbricht, findet ein wüstes Psychodrama statt: Ihre designierte Nachfolgerin und enge Freundin, Schwester Agnieszka, ist schwanger, und Mutter Teresa versteht ihre Schwangerschaft als buchstäblichen Betrug. Agnieszka erwägt eine Abtreibung, und Mutter Teresa verstößt sie, mit extremen Konsequenzen.  

Während Mutter Teresa auf die Genehmigung wartet, einen eigenen Orden zu gründen, spielt sich ein Psychodrama ab.

Teresa – Ein Leben zwischen Licht und Schatten

Dokumentarfilm über die Rockband "The Doors" von ihrem Aufstieg 1965 bis zum frühen Tod ihres Leadsängers Jim Morrison im Jahr 1971.

Dokumentarfilm über die kurze intensive Karriere der Band "The Doors", erzählt von Johnny Depp.

The Doors: When You're Strange

Nach dem Tod ihrer Mutter treffen sich die Schwestern Agnes und Nora mit ihrem entfremdeten Vater Gustav im Haus ihrer Kindheit wieder. Der exzentrische Regisseur will das Haus, in dem auch er aufgewachsen ist, für den Dreh seines langerwarteten, womöglich letzten Spielfilms nutzen. Seine ältere Tochter Agnes soll die Hauptrolle spielen, aber Agnes weigert sich, das Drehbuch auch nur in die Hand zu nehmen – weshalb Gustav spontan die amerikanische Schauspielerin Rachel in das Familien-Filmprojekt hereinzieht.  

Das Haus erzählt, hütet und erträgt dabei die Familiengeschichten, so hatte es Agnes schon als Kind in einem Schulaufsatz geschrieben. 

Ein exzentrischer Künstlervater und seine entfremdeten Töchter treffen sich im roten Bilderbuchhaus ihrer Kindheit wieder.

Sentimental Value

Die moldawische Journalistin Lina Vdovîi hat sich vorgenommen, ihren Vater zur Rede zu stellen und ihn zu fragen, wieso er sie als Kind massiv körperlich und seelisch misshandelt hat. Aber das Gespräch nimmt eine unerwartete Wendung, als ihr Vater ihr eröffnet, dass er selbst von seinem italienischen Arbeitgeber gemobbt und geschlagen wird, und Lina um Hilfe bittet. Während der Dokumentarfilmfilm zeigt, wie Muster der Gewalt immer weitergetragen werden, muss sich Lina die Frage stellen, ob sie ihrem Vater verzeihen kann und ihm helfen möchte.

Die moldawische Journalistin Lina Vdovîi stellt ihren Vater zur Rede, der sie als Kind misshandelt hat.

Tata – Vater

In einem Bergbauort mitten in der nordchilenischen Wüste wächst die elfjährige Lidia bei trans Frau Flamingo, Mamá Boa, und den Bewohner\*innen einer queeren Gemeinschaft auf. Es ist das Jahr 1982. In der abgelegenen Gemeinde geht eine mysteriöse tödliche Krankheit um – und mit ihr das Gerücht, diese könne durch den Blick einer der trans\* Frauen auf die Männer im Ort übertragen werden. Als Flamingo ermordet aufgefunden wird, beschließt Lidia, dem Geheimnis der Krankheit auf den Grund zu gehen.

Für sein Spielfilmdebüt gewann Diego Céspedes 2025 den Hauptpreis der Sektion „Un certain regard“ bei den Internationalen Filmfestspielen von Cannes.

Die elfjährige Lidia wächst in einer queeren Community auf in der nordchilenischen Wüste auf. Es ist 1982 und das Gerücht einer mysteriösen Krankheit macht die Runde.

Der geheimnisvolle Blick des Flamingos

Ein Jahr nach dem Ereignissen des ersten Films versucht Mike die gruseligen Nächte bei Freddy Fazbear's Pizza zu vergessen und sein kleine Schwester Abby zu beschützen. Aber als sich Abby auf das erste "Fazfest" schleicht, stellt sich heraus, dass Freddy und seine Freunde noch nicht ganz verschwunden sind.

Five Nights at Freddy's 2

21 Jahre nachdem man das erste Mal den egomanischen Spießer Bernd Stromberg und seine Kolleg*innen kennenlernte, kommt das Erfolgsteam der “Capitol Versicherung” zum zweiten Mal in die Kinos. Viel hat sich verändert, und besonders Strombergs liebstes Hobby, das Mobbing, ist nicht mehr so akzeptiert, aber wenn Bernd etwas kann, dann ist es, nicht mit der Zeit zu gehen.

"Papa" Stromberg und seine Kolleg*innen sind zurück.

Stromberg – Wieder alles wie immer

Die Passagiere in einem steckengebliebenen Zug müssen improvisieren und den Weihnachtsabend miteinander verbringem.

Der Weihnachtsexpress

Südtirol in den 1960er Jahren: Anton schließt sich dem „Befreiungsausschuss Südtirol“ an, einer Gruppe von – je nach Sichtweise – Freiheitskämpfern oder Terroristen, die sich gegen die stetige Italienisierung Südtirols durch die Politik in Rom wehren. Für seine Frau Anna und seinen Sohn Paul bedeutet Antons politische Aktivität, dass sie ihre Träume aufgeben müssen. Anna wird die Stelle als Lehrerin nicht erhalten und Paul wird sich um den kleinen Hof kümmern müssen, statt in München Kunst zu studieren, 

Südtirol 1961: Anton schließt sich dem „Befreiungsausschuss Südtirol“ an.

Zweitland

Auf der Bühne in Krakau interpretieren zahlreiche Orchester, Stargäste und natürlich auch Hans Zimmer selbst, einige der Filmmusiken, mit denen er berühmt geworden ist.

Konzertfilm mit Hans Zimmer, Orchestren und Stargästen.

The World of Hans Zimmer – A New Dimension

Eine obskure Schrift aus dem zaristischen Russland prägt bis heute den modernen Antisemitismus. Nachdem schon die Denkmuster der NDSAP-Spitzen von den angeblichen Plänen für eine jüdische Weltherrschaft geformt wurde, erleben die "Protokolle der Weisen von Zion" im Zeitalter der digitalen Post-Faktik eine neue Renaissance.

Dokumentarfilm über das antisemitische Pamphlet "Die Protokolle der Weisen von Zion".

Weltkarriere einer Lüge: Die Protokolle von Zion

Lars Jessen hat Robert Habeck bei seinem Wahlkampf 2024/2025 begleitet – als Filmemacher, Berater und Freund. Aus den Aufnahmen, die dabei entstanden sind, ergänzt mit Nachrichtenbildern aus Habecks Zeit als Wirtschaftsminister und Interviews, die Jessen nach der für die Grünen krachend gescheiterten Wahl geführt hat, hat er einen Film geschnitten, der teils ein Porträt Habecks ist, teils ein Rückblick auf seine letzte Amtszeit und teils Wahlanalyse. Vor allem aber zeichnet Jessen die Stationen des Wahlkampfs minutiös nach. 

Lars Jessen hat Robert Habeck bei seinem Wahlkampf 2024/2025 begleitet und zieht nun Bilanz.

Jetzt. Wohin. – Meine Reise mit Robert Habeck

Pater Park ist ein ehemaliger Priester, der wegen der Durchführung von Exorzismen exkommuniziert wurde. Trotz seiner Vergangenheit bleibt er ein Mann des Glaubens, der seine außergewöhnlichen Fähigkeiten weiterhin einsetzt, um gegen das Böse zu kämpfen. Eines Nachts wird er von seinem langjährigen Freund Jang, einem Mönch und Dharma-Wächter, um einen Gefallen gebeten: Er soll Joon-Hoo, den Adoptiv-Sohn einen dämonischen Kult-Führers, vor dem dunklen Spiel seines Ziehvaters beschützen, während Jang mit anderen Getreuen, ein apokalyptisches Ritual, das gemäß einer jahrhundertealten Prophezeiung die Welt an den Rand des Untergangs bringen soll, aufzuhalten versucht.

Koreanischer Fantasy-Animationsfilm über einen ehemaligen Priester, der gegen einen dämonischen Kultanführer ankämpfen muss.

Exorcism Chronicles: The Beginning


**[Alle Tipps der Redaktion 2025](https://cineville.de/magazin/kinojahr-2025)**

Alle Filme der Woche und unsere Tipps 2025

Die Highlights der Cineville-Redaktion 2025

**Das Herz Ihrer Geschichte – ein Frauenpaar, das sein erstes Kind erwartet – ist
von Ihrer persönlichen Erfahrung inspiriert. Warum haben Sie daraus das
Thema Ihres ersten Films gemacht?**

Alice Douard: Um ein fehlendes Bild zu schaffen. Wie Céline, meine Heldin, erwartete ich mein erstes Kind, ohne es selbst auszutragen – und musste es adoptieren. Diese Situation warf viele Fragen auf, meine eigenen ebenso wie die vieler anderer. Es gab keine Vorbilder, an denen ich mich hätte orientieren können. Also wollte ich diese Bilder erschaffen und erzählen, was unsere Art, eine Familie zu gründen, wirklich bedeutet. Ich wollte sowohl ihre Einzigartigkeit als auch ihre Alltäglichkeit zeigen und eine Darstellung fernab gängiger Fantasien anbieten. Von Anfang an war mir wichtig, dass der Film zugänglich ist und jede:r sich darin wiederfinden kann. Es ist ein Versuch der Versöhnung in einem Raum, in dem es viel Gewalt gegeben hat.

**Haben Sie daran gedacht, einen Dokumentarfilm zu drehen?**

Nein, das ist nicht mein Hintergrund. Ich habe an der Fémis Regie studiert, meine Kurzfilme waren immer fiktional. Dennoch habe ich viel recherchiert und viele Frauenpaare getroffen, die dieselbe Erfahrung gemacht haben – manche vor dem „Taubira“-Gesetz, andere danach. Für alle war die Verbindung von rechtlicher Anerkennung und Mutterschaft eine Herausforderung. Heute ist das Gesetz anders: Seit 2021 können Frauen eine pränatale Anerkennung abgeben, während wir den Adoptionsweg gehen mussten. Das war mühsam, aber auch eine Chance – denn vor 2013 gab es die Möglichkeit einer legalen Familie schlicht nicht! Ich habe die Geschichte bewusst in jener Zeit angesiedelt und meine Figuren als Pionierinnen erzählt. Der Adoptionsweg ist dabei sowohl dramaturgisch stark als auch eine Realität, die sichtbar gemacht werden muss.

**15 LIEBESBEWEISE knüpft an Ihr Kurzfilmdebüt L'ATTENTE an, das 2024 einen
César gewann. Ist er als Erweiterung dessen gedacht?**

Es sind zwei eigenständige Filme mit einem gemeinsamen Thema. Den Kurzfilm
habe ich in einer geschlossenen Welt angesiedelt – der Entbindungsstation – und die wenigen Stunden bis zur Geburt erzählt. Der Langfilm zeigt ein anderes Paar, ihre Intimität, die Blicke der anderen und ihren rechtlichen Weg. Er ist breiter angelegt, politischer, mit vielen Figuren und auch einem Blick auf Generationsfragen.Gemeinsam ist beiden Filmen die Bewegung hin zur Geburt und die Universalität von Elternschaft.

**Warum haben Sie erneut die Perspektive der Frau gewählt, die nicht schwanger ist?**

Weil es ein Figurenporträt ist. Mit Jacques Girault, dem Kameramann, haben wir viel über den Blickwinkel diskutiert: Aus welcher Distanz filmen wir Céline, folgen wir ihr oder beobachten wir sie? Diese Entscheidungen schaffen Empathie und
Identifikation. Céline ist eine Figur in Bewegung – ich habe Ella Rumpf gesagt:
„Deine Figur setzt sich nicht hin.“ Für mich war der Film wie ein Zug in Fahrt. Céline bereitet sich auf ihr Kind vor und sucht sich Zeuginnen und Zeugen, um ihre „Liebesbeweise“ vorzulegen.

**Erlaubt diese Perspektive auch, Geschlechterrollen in Frage zu stellen?**

Ja. Céline steht in gewisser Weise auf der Seite der Väter: Sie selbst ist nicht
schwanger, erlebt die Geburt von außen. Anders als Männer hätte sie das Kind aber austragen können. Gerade das macht die Begegnungen mit männlichen Figuren interessant – in dieser geteilten Erfahrung verschwimmt das Geschlecht.

**Wird der Film nicht auch durch Céline’s Zeug:innenkreis universell? Jeder von
ihnen sagt ihr, was es heißt, eine „gute Mutter“ zu sein.**

Alle haben eine Meinung über Mutterschaft. Jenseits der speziellen Situation von Céline und Nadia gibt es einen gesellschaftlichen Druck, eine „gute Mutter“ zu sein – das betrifft alle Frauen. Genau darin liegt auch die Universalität des Films: in der Beobachtung jeder werdenden Elternperson.

**Marguerite, Célines Mutter und renommierte Pianistin, ist eine zentrale Figur.
Was wollten Sie mit dieser Figur erzählen?**

Wenn man selbst ein Elternteil wird, definiert man die Beziehung zu den eigenen Eltern neu. Marguerite wirft die Frage auf: Welche Art von Mutterschaft wählt man, welche Opfer bringt man, was passiert, wenn man die Karriere priorisiert? Céline und sie haben eine komplexe Beziehung – geprägt von Abwesenheit, aber auch von Bewunderung und einem Erbe: der Musik. Céline ist DJ, wie ihre Mutter tritt sie auf. Die Verbindung liegt weniger in gemeinsamen Momenten als in Gesten, Technik und Konzentration. Und Marguerite hat ihr auch die Liebe zur Freiheit weitergegeben.

**Ihr Film hat viele komische Momente und wirkt am Ende sehr zärtlich und
heiter. Warum?**

Filme über Homosexualität sind oft dramatisch – verständlicherweise. Aber auch
freudige Bilder sind wichtig. Mir haben sie gefehlt, als ich jung war. Vielleicht wollte ich zeigen, was danach kommt: Leichtigkeit, Romantik, Freude. Humor und Zärtlichkeit helfen außerdem, ein breiteres Publikum zu erreichen.

**Ihre Regie wirkt poetisch, in Kamerabewegungen und Licht. Woher kam die
Inspiration?**

Von sehr unterschiedlichen Filmen. Allen voran TERMINATOR 2! Wir haben mit
anamorphotischen Objektiven gearbeitet und Ella Rumpf so ausgeleuchtet, wie
James Cameron John Connor gefilmt hat. Ella hat eine außergewöhnliche Tiefe im Blick – manchmal schien es, als filmte ich ihre Seele. Ein anderer wichtiger Bezug war Kore-edas SHOPLIFTERS – wegen seiner Bildsprache und der Frage, wie man „Familie macht“. Schließlich ELEPHANT von Gus Van Sant, besonders wegen seiner Körperlichkeit im Raum. Unsere Herausforderung war, daraus eine eigene ästhetische Einheit zu schaffen.

**War die Rolle tatsächlich für Ella Rumpf geschrieben?**

Ja. Ich habe sie 2016 in RAW   entdeckt und war sofort beeindruckt. Seitdem wollte ich mit ihr arbeiten. Sie ist sehr zurückhaltend, es hat Zeit gebraucht, sie zu gewinnen. Aber als sie zugesagt hat, war sie vollkommen dabei. Sie hat DJ-Training absolviert, Soundchecks besucht – sie ist extrem fokussiert, ihre Hingabe ist unbezahlbar.

**Ihre Partnerin spielt Monia Chokri – eine ganz andere Persönlichkeit.**

Genau, und das war wichtig. Ich suchte jemanden, der im Kontrast zu Ella steht und trotzdem ein glaubwürdiges Paar mit ihr bildet. Ich dachte an THELMA & LOUISE: zwei starke Figuren, die zusammen etwas Neues schaffen. Monia bringt Energie und Körperlichkeit mit, eine Kühnheit, die gängige Klischees über schwangere Frauen aufbricht.

**Auch Noémie Lvovsky als Marguerite ist zentral.**

Sie war von Anfang an für diese Rolle gedacht. Marguerite ist keine Nebenfigur – sie bringt uns zum Lachen und macht uns zugleich Sorgen. Noémie kann alles spielen, sie ist eine großartige Schauspielerin und Regisseurin. Wir haben ihre Klavierszenen intensiv vorbereitet, damit alles stimmte. Am Set war sie hoch engagiert und voller Spielfreude.

**Wie haben Sie die intimen Szenen inszeniert?**

Sexualität gehört zu einer Beziehung. Die Frage war, wie man sie zeigt. Mir war
wichtig, nicht schüchtern zu wirken, aber auch niemanden zu überfordern. Das
Schöne liegt für mich im Aufbau, im Wachsen der Lust. Mehr muss man nicht zeigen – die Glaubwürdigkeit entsteht aus der Intensität, danach genügt eine
Schwarzblende. Auch das Spiel mit der Erwartung des Publikums ist spannend.

**Sie zeigen auch bewusst Off-Screen-Momente, wie etwa die Geburt, nicht.
15 LIEBESBEWEISE beginnt sogar mit einem Tonarchiv.**

Ja, das Off-Screen ist ein Leitmotiv. In einer Welt voller Bilder wollte ich die
Aufmerksamkeit anders lenken. Deshalb hört man zu Beginn den Moment, als 2013 das Gesetz zur „Ehe für alle“ verabschiedet wurde. Wir haben bewusst die Stimme des damaligen Präsidenten Claude Bartolone gewählt – seine Rolle verlangt Neutralität, und doch hört man seine Rührung. Das macht es berührend. Die Geburt selbst habe ich nicht gezeigt, sondern das Danach: die Fürsorge für Mutter und Kind. Das war mir wichtig – es geht um die Begegnung,  um den Moment, in dem aus zwei Menschen drei werden. Für immer.
Die Musik ist ebenfalls zentral. Sie ist erzählerisch eingebunden – ob elektronisch, pop oder klassisch. Gemeinsam haben alle Stücke einen schnellen Rhythmus und melancholische Melodien. Das Drehbuch war wie eine Partitur aufgebaut, die Schauspielerinnen haben mit den Stücken gearbeitet.

**Wer hat den Film produziert?**

Marie Boitard und ich hatten Les Films de June gegründet, um „L’Attente“ zu
produzieren. Parallel entstand das Drehbuch zu „15 Liebesbeweise“. Für den
Langfilm habe ich Marine Arrighi (Apsara Films) angesprochen, mit der ich bereits ein anderes Projekt entwickelte. Wir haben von Beginn an eng zusammengearbeitet – Marie als Herstellungsleiterin, Marine als Produzentin. Marie und ich ergänzen uns sehr, wir stellen das Team früh zusammen und antizipieren logistische Hürden. So kann ich meine künstlerischen Ambitionen wahren, auch mit kleinem Budget. 

**Die Perspektive der LGBTQ+-Community bleibt Ihnen wichtig?**

Absolut. Der Film erzählt die Freude und die Herausforderungen, eine Familie zu
gründen – und ist zugleich eine Antwort auf die heftigen Proteste gegen die Öffnung der Ehe. Ich hoffe, er kann Menschen zusammenbringen. Schon bei L'ATTENTE habe ich viele Reaktionen bekommen – von Frauen wie von Männern. 

(Quelle: Luftkind Filmverleih)

Hintergründe

Regisseurin Alice Douard über 15 LIEBESBEWEISE: "Alle haben eine Meinung über Mutterschaft."

**There is no place like home** – aber war es nicht schön, im Kinosaal in andere Leben einzutauchen? Der eine hat seine [Erinnerungen in Beton](https://cineville.de/de-DE/filme/der_brutalist) gegossen, die andere sich mit ihrem Liebeskummer in eine [Kuschelecke am Fenster ](https://cineville.de/de-DE/filme/oslo-stories_traeume)verkrochen, und bei wieder anderen stand der [Teufel vor der Tür](https://cineville.de/de-DE/filme/blood_sinners). Zuhause, das war die beste [Freundin auf Besuch](https://cineville.de/de-DE/filme/sorry_baby_2025), das Team der [Videothek um die Ecke](https://cineville.de/de-DE/filme/i_like_movies) und der [nervige Typ mit einem Faible für Folk](https://cineville.de/de-DE/filme/the_ballad_of_wallis_island). Mit der Cineville-Karte waren wir mit dem [Van unterwegs in der Wüste](https://cineville.de/de-DE/filme/sirat), haben uns in einem [Schneckenhaus verkrochen](https://cineville.de/de-DE/filme/memoiren_einer_schnecke) und wieder hervorgewagt, in einem [Bauernhaus die Jahrhunderte](https://cineville.de/de-DE/filme/in_die_sonne_schauen_2025)  überdauert und auf einem [Segelboot die Sintflut](https://cineville.de/de-DE/filme/flow) überstanden. 

Und Ihr so? Was waren Eure Favoriten des Kinojahres 2025, welche Filmlocation sah besonders gut aus, und mit wem würdet Ihr in eine WG ziehen? Wir freuen uns über alle, die ihre Kinoerlebnisse mit uns teilen, und verlosen unter allen Einreichungen drei Cineville-Schnupperabos. **Eine Teilnahme ist bis zum 21.12.2025 möglich.**

Für alle, die ihre Erinnerung an das zurückliegende Kinojahr auffrischen möchten, haben wir [hier](https://cineville.de/de-DE/magazin/kinojahr-2025) alle Tipps der Redaktion und Filme der Woche 2025zusammengestellt.


No Place like Home. Das Kinojahr 2025.

Pamela Jahn

**Pamela Jahn: Herr Trier, ist SENTIMENTAL VALUE ein Film über die Schwierigkeit, Kunst und Familie unter einen Hut zu bringen?**

Joachim Trier: Es ging mir nicht darum, eine Geschichte über eine Künstlerfamilie zu erzählen, wenn Sie das meinen. Vielmehr betrachte ich Kunst als eine alternative Sprachform. Seit meinem letzten Film THE WORST PERSON IN THE WORLD bin ich zweimal Vater geworden, und wenn ich meine Kinder beobachte, denke ich jedes Mal: Wow, sie tanzen und singen, malen und bewegen sich, und das alles, bevor sie überhaupt ein Wort sprechen können. Warum sozialisieren wir sie dann eigentlich auf Teufel komm raus? Warum beschränken wir sie in ihrer Ausdrucksweise, indem wir ihnen eine argumentative intellektuelle Sprache beibringen? Ist die reine Kreativität nicht das höchste Gut? Diese Gedanken brachten mich dazu, einen Film zu machen, in dem sich jeder, unabhängig davon, ob er aus einem Künstlerhaushalt kommt oder nicht, damit identifizieren kann, dass es innerhalb familiärer Beziehungen Formen der Verweigerung und der Kommunikation auf verschiedensten Ebenen gibt.

**Stellan Skarsgård spielt einen Vater, der emotional nicht mit seinen Töchtern umgehen kann. Als Regisseur ist er dagegen sehr erfolgreich. Sehen Sie in seiner Figur Parallelen zu sich selbst?**

Wie kommen Sie darauf? Nein, ganz im Ernst. Das Schöne ist, dass ich alle meine Filme zusammen mit Eskil Vogt schreibe, was für uns beide sehr gut funktioniert, weil wir dadurch jeweils einen gesunden Abstand zu den Figuren gewinnen und besser abstrahieren können. Am Ende fällt das Drehbuch dann immer nicht ganz so autobiografisch aus, wie es auf den ersten Blick vielleicht scheint. Wir können mal ein bisschen härter zu den Figuren sein oder mehr mit ihnen sympathisieren, je nachdem.

**Der Film wirkt ernster als Ihre bisherigen Arbeiten. Würden Sie dem zustimmen?**

Auch das ist ein natürlicher Prozess. Ich werde älter. Ich schaue anders auf mein Umfeld, auf die ganze Welt. Diesmal wollte ich über äußerst intime, private Dinge sprechen. Das ist mir jetzt wichtig, in diesem Moment, und dafür möchte ich mich nicht schämen müssen.

**Woran denken Sie dabei konkret?**

Wenn ich über Familie nachdenke, beziehe ich mich in erster Linie auf meine eigenen Kindheitserinnerungen. Mein Großvater war während des Zweiten Weltkriegs in Gefangenschaft und hat nur knapp überlebt. Er war Widerstandskämpfer, nach dem Krieg wurde er Filmregisseur. Seine Geschichte war für mich immer etwas ganz Besonderes. Jetzt bin ich älter, er ist nicht mehr da, und ich merke, wie schnell die Zeit vergeht. Plötzlich wird mir bewusst, wie sehr sein Trauma sowohl mein Leben als auch das meiner gesamten Familie geprägt hat. Und wenn ich jetzt meine Kinder anschaue, denke ich: Braucht es drei Generationen, um das zu überwinden? Oder werden sie vom 20. Jahrhundert noch genauso geprägt sein wie ich?

**Würden Sie sich selbst als einen sentimentalen Menschen bezeichnen?**

Ich habe meine Schwierigkeiten mit dem Wort. Auch der englische Begriff „sentimental value“ klingt für mich eigentlich eher wie ein kalter Coltrane-Song, wie ein melancholischer alter Jazz-Standard. Aber ich fand, irgendwie passt der Titel, weil er die subjektive Sicht jedes Einzelnen von uns beschreibt. Stellen Sie sich vor, Ihre Großmutter hat immer aus einer bestimmten Kaffeetasse getrunken, die Sie seit ihrem Tod hüten wie einen Schatz, obwohl alle anderen diese Tasse schrecklich hässlich finden. Es ist egal, denn nur Sie kennen den emotionalen Wert dieses Gegenstands, der Sie immer an Ihre Großmutter erinnern wird. Was mich daran, bezogen auf den Film, fasziniert hat, ist, wie sogar zwei Geschwister völlig unterschiedlich empfinden können. Das ist schon verrückt.

**Welches Wort würde Ihren derzeitigen Gemütszustand besser beschreiben?**

Ich weiß nicht, neulich habe ich mal wieder „Imagine“ von John Lennon gehört und war auf einmal zu Tränen gerührt. Ich finde die Zeit, in der wir leben, wirklich sehr kompliziert. Früher fand ich immer, dass es im Kino zu viel Mitgefühl gibt – ich war in meinen jungen Jahren ein ziemlich radikaler Typ. Jetzt spüre ich in mir selbst ein Gefühl von Verletzlichkeit. Das Risiko dabei ist natürlich, dass die Leute sagen: Oh je, er ist alt geworden. Er romantisiert, er ist emotional. Aber scheiß drauf.

**Haben Sie das Gefühl, sich rechtfertigen zu müssen?**

Ich stelle mir selbst die offene Frage: Was ist heutzutage eine radikale Position? Und vielleicht ist Zärtlichkeit der neue Punk. Vielleicht ist es das, was gerade am meisten gebraucht wird und am schwierigsten zu erreichen ist. Ich habe die 1990er Jahre als junger Mann erlebt, der alles ironisch sah und es sich zur Aufgabe machte, die Doppelbödigkeit der Sprache ständig zu hinterfragen und spielerisch damit umzugehen. Heute sehne ich mich nach Klarheit und echten Gefühlen.

**Sie haben bereits die Kraft generationenübergreifender Traumata angesprochen. Im Film manifestieren sich diese emotionalen Altlasten in dem Familienhaus. Hat für Sie alles mit dieser Metapher der Risse im Gemäuer begonnen?**

Norwegen ist ein Land der extremen Gegensätze, was die Jahreszeiten und Witterungsverhältnisse angeht. Im Winter hat es oft minus 25 Grad Celsius, und im Sommer kann es sehr heiß werden. Wenn man ein Haus baut, muss man also ein gutes Fundament legen. Trotzdem sieht man überall Risse in den Wänden. Als Kind war ich besessen davon. Und als Nora am Anfang diese Hausarbeit schreibt, diesen Aufsatz über das Haus, fand ich es eine interessante Idee: Das Haus zerfällt langsam, als hätte das Gebäude ein anderes Verständnis von Zeit.

**Haben Sie das Haus wie eine Figur im Film gecasted?**

Auf jeden Fall. Es war schwierig, einen passenden Drehort zu finden, weil ich es liebe, gegen das Licht zu drehen. Aber in den meisten Häusern stößt man dabei ständig auf Wände. Das ist ein echtes Problem. Ich habe in der Hinsicht schon immer Regisseure wie Antonioni sehr bewundert, der ein Meister der räumlichen Darstellung war. Ebenso wie Ozu, beide haben auch perfekt verstanden, wie man Wiederholungen strukturiert.

**Noras Vater hat Schwierigkeiten, seine Emotionen auszudrücken und sich in andere Menschen hineinzuversetzen. Wie viel Wahrheit steckt in der allgemeinen Annahme, dass nordische Männer verbohrt und verschlossen sind?**

In meinen Filmen sind nicht alle Männer so unfähig wie Gustav, einige sind sensibler als andere, aber ich weiß, was sie meinen. Ich denke allerdings, das ist eher eine Generationenfrage als ein kulturelles Klischee. Ich habe zum Beispiel das Gefühl, dass meine Generation besser mit Scheidungen umgehen kann. Und wenn ich an meine Eltern denke, die während des Zweiten Weltkriegs geboren wurden, tue ich mich schwer damit, die Dinge zu verallgemeinern, aber die steife Oberlippe mancher Männer in dem Alter ist sicher ein Merkmal jener Generation der Überlebenskinder. Typisch skandinavisch ist das nicht.

**Nerven Sie solche Klischees?**

Ich habe 2018 eine Dokumentation über den norwegischen Künstler Edvard Munch gedreht, oder besser gesagt: über den Entstehungsprozess einer Ausstellung seiner Gemälde, kuratiert vom Schriftsteller Karl Ove Knausgård. Ich fand es bemerkenswert und auch ein bisschen schade, dass alle immer nur Hysterie und Depression in den Werken sehen. Denn eigentlich ist auch Munch viel mehr: Freude und Sonne, schwimmende Menschen und die Schönheit des Lebens. Er ist alles. Und ich möchte gerne glauben, dass das für jeden von uns gilt, ob Norweger oder nicht.

**War Ingmar Bergman eine Inspiration für SENTIMENTAL VALUE?**

Ich werde langsam nervös, weil mich so viele Leute danach fragen. Ich verehre Bergmann sehr. Und es ist auf jeden Fall etwas dran an seinem No-Bullshit-Ansatz, sich genau anzusehen, wie die Menschen wirklich sind, und ihnen verdammt nah unter die Haut zu gehen. Andererseits komme ich im Gegensatz zu ihm nicht vom Theater. Ich respektiere die Bühnenkunst, aber ich bin ein Filmregisseur. Seit meiner Kindheit laufe ich mit einer Kamera in der Hand herum. Was ich von Bergmann – und übrigens auch von Dryer – gelernt habe, sind die intensiven Nahaufnahmen, ohne dass man immer alles sieht. Ich würde sagen, das ist eher eine skandinavische Tradition als eine rein bergmannsche Methode. Manchmal spürt man aber eine Abwesenheit in Bergmans Nahaufnahmen, die ich von ihm übernommen habe.

**Zum Geburtstag schenkt Magnus Borg seinem kleinen Enkel verschiedene DVDs, darunter DIE KLAVIERLEHRERIN von Michael Haneke und Gaspar Noés IRREVERSIBLE. Seine Auswahl gibt Aufschluss darüber, wie er tickt, wer er ist. Für welche Filme hätten Sie sich entschieden?**

Sicher hätte ich eine mehr kindgerechte Auswahl getroffen. Meine älteste Tochter liebt Pixar. Ich muss jedes Mal weinen, wenn ich CARS mit ihr anschaue. Und ich kann durchaus verstehen, warum sie so sehr in FROZEN vernarrt ist. Einer meiner persönlichen Favoriten ist jedoch MEIN NACHBAR TOTORO von Hayao Miyazaki. Ein Meisterwerk. MODERN TIMES von Charlie Chaplin eignet sich ebenfalls recht gut für Kids. Bei anderen seiner Filme muss man vorsichtiger sein. Das kann auch schnell schiefgehen.

**Sie haben den Konflikt zwischen Theater und Kino erwähnt, der ein wesentliches Element des Films ist. Wie spiegelt sich diese Spannung in Nora und Rachel wider?**

Nora liebt die Bühne. Einmal sagt sie zu ihrer Schwester sinngemäß, dass sie in die Fiktion flüchtet, um sich selbst aus dem Weg zu gehen. Auch Rachel sehnt sich nach der Flucht in eine andere Realität. Sie sieht sich mit dem Problem konfrontiert, mit dem viele Stars zu kämpfen haben: Man wird zur Ware, zu einem Objekt degradiert, mit dem andere Geld verdienen. Das kann selbst Regisseuren und Regisseurinnen passieren. In der Hinsicht sind sie sich beide viel näher, als sie glauben. Sowohl Nora als auch Rachel sind auf der Suche nach Ganzheit, nach Yin und Yang.

**Verkörpert Elle Fanning für Sie das neue amerikanische Kino?**

Ich brauchte eine amerikanische Schauspielerin. Für mich lebt das Kino von der Wechselwirkung zwischen den Kulturen. Ich spreche hier speziell vom westlichen Kino, mit dem ich aufgewachsen bin. Natürlich gibt es auch darüber hinaus viele Filme, die ich ebenfalls bewundere. Aber mich fasziniert insbesondere die Idee des amerikanischen Genrefilms im Verhältnis zur französischen Nouvelle Vague, sowie die Rückkehr zum New Hollywood der 1970er Jahre und die Dialektik davon.

**Nora leidet unter Lampenfieber. Für Regisseure gibt es keinen adäquaten Begriff. Aber wie selbstbewusst sind Sie, wenn Sie morgens ans Set kommen?**

Ich habe viel mit Renate darüber geredet. Sie ist in Wirklichkeit auf der Bühne nie aufgeregt. Aber wir beide verspüren diese Angst vor der Darbietung. Es ist eine Mischung aus Zweifel und Selbstvertrauen. Sie ist notwendig, um etwas Wertvolles zu schaffen. Manchmal, wenn ich ins Theater gehe, sehe ich die Live-Performance eines Schauspielers als Metapher für alle Kreativität, denn selbst am Ende eines schlechten Stücks kann ich manchmal meine Tränen nicht zurückhalten, weil ich die Mühe und die Menschlichkeit nachempfinde, mit der hier versucht wurde, dem Publikum etwas Wertvolles, Nachhaltiges darbieten zu wollen. Diese Anstrengung ist der Kern jedes kreativen Impulses. Dafür lebt man als Künstler, ich jedenfalls.

Interviews

Über Licht, Schatten, Familie, Film und Theater