Preview #Januar: SOULEYMANS GESCHICHTE // Auch im Dezember gilt: Cineville-Abonnent*innen können eine Begleitperson kostenfrei mit ins Kino nehmen!

Die Cineville-Preview 

Panorama

large_4238_D005_00229_R.jpg

medium_4238_D005_00229_R.jpg

small_4238_D005_00229_R.jpg

thumbnail_4238_D005_00229_R.jpg

Alle Neustarts vom 22.1.-28.1.

Israelische Jugendliche kommen nach Polen, um die Holocaust-Gedenkstätten zu besichtigen. Während ihres Aufenthalts müssen sie sich sowohl mit den großen Dramen als auch mit den alltäglichen Dilemmata der Teenager-Realität auseinandersetzen.

Israelische Jugendliche kommen nach Polen, um die Holocaust-Gedenkstätten zu besichtigen.

Ha'Mishlahat – Delegation

Der Dokumentarfilm mit Spielszenen beruht auf den Kriegstagebüchern Astrid Lindgrens, die 2015 veröffentlicht wurden. 1939 bis 1945 notierte Lindgren ihre Beobachtungen zum Zweiten Weltkrieg ebenso wie Details ihres behüteten Alltags in Schweden und schärfte dabei ihr politisches Bewusstsein und ihr Profil als Autorin, das sich erst in dieser Lebensphase zu formen beginnt. Heimliche Hauptperson des Films ist Lindgrens Tochter, die 1934 geborene Übersetzerin und Schriftstellerin Karin Nyman, die in Gesprächen mit Familienmitgliedern um Erinnerungen an ihre Kindheit ringt. 

Der Dokumentarfilm mit Spielszenen beruht auf den Kriegstagebüchern Astrid Lindgrens.

Astrid Lindgren – Die Menschheit hat den Verstand verloren

Die Grundthese von Chloé Zhaos Films nach einem Roman von Maggie O’Farrell ist, dass Shakespeare in Hamlet den Schmerz über den Verlust seines Sohns verarbeitet habe. William Shakespeare hatte tatsächlich einen jung verstorbenen Sohn, der Hamnet hieß. Zhao interessiert sich aber weniger für William Shakespeare als für dessen Ehefrau Anne Hathaway, die hier Agnes heißt und eine Art halbmythische Naturkraft ist, teils Landkind, teils Hexe, teils sexy Naive, teils inkorporierte Leidenschaft. Magie ist im Spiel, Geister und Seelentausch werden angedeutet, alte Flüche und Beschwörungen gesprochen. 

Chloé Zhao hat einen Hexenkessel zusammengebraut, der völlig überläuft.

William Shakespeare verarbeitet den Tod seines Sohns Hamnet, indem er „Hamlet“ schreibt.

Hamnet

Regisseur Stefan Sick hat vier Mädchen, die in einer Wohngruppe für Kinder und Jugendliche der Evangelischen Jugendhilfe leben, zwei Jahre lang begleitet und dabei unterschiedliche Gefühlslagen eingefangen. Auf Umarmung, Kompromiss und Geduld folgen Schubsen, Schlagen und Beleidigen, gefolgt von der Bürokratie der Jugendhilfe. Ein Mädchen tritt auf Türen ein und gefährdet sich selbst, ein anderes beweist Hilfsbereitschaft und pädagogisches Talent. Sicks feinfühlig beobachtende Kamera ist stets dabei: Erst wenn die Tür vor der Kamera zugeht, schaut sie weg. 



Dokumentarfilm über vier Mädchen, die in einer Wohngruppe für Kinder und Jugendliche der Evangelischen Jugendhilfe leben.

Das fast normale Leben

Hauptdarsteller von Ildikó Enyedis radikalem Film ist der 200 Jahre alte Ginkgobaum im Botanischen Garten der Universität Marburg. Drei menschliche Co-Protagonist\*innen aus verschiedenen Epochen sind über diesen Anker miteinander verbunden, alle von ihnen stellen die menschliche Überlegenheit über Pflanzen infrage: Im Frühling 2020 strandet der Neurowissenschaftler Professor Wong in Marburg und beginnt, sich für die Kommunikation mit dem Ginkgobaum zu interessieren. Im Jahr 1908 lässt die Universität zum ersten Mal Frauen zum Studium zu. Grete bewirbt sich für Biologie und entdeckt die wissenschaftliche Fotografie für sich, und in den 1970er Jahren freundet sich der Germanistikstudent Hannes mit einer Geranie an.




SILENT FRIEND fragt, ob die Bäume und Topfpflanzen, die wir meist selbstverständlich ignorieren, uns ähnlicher sind, als wir ahnen. 

Forschende in drei Epochen stellen die menschliche Überlegenheit über Pflanzen infrage.

Silent Friend

Am 29. Januar 2024 erreicht die Mitarbeiter\*innen in der Notrufzentrale des Roten Halbmonds in Ramallah im Westjordanland ein Anruf. In Gaza-Stadt sei ein Auto von der israelischen Armee beschossen worden, ein sechsjähriges Mädchen, Hind Rajab, ist die einzige Überlebende. Ein Krankenwagen befindet sich in unmittelbarer Nähe, aber bis eine sichere Route von den israelischen Behörden freigegeben ist, vergehen Stunden, in denen das Notfallteam mit dem verzweifelten Mädchen telefoniert. In ihrem Film verwendet Regisseurin Kaouther Ben Hania die realen Tonaufzeichnungen des erschütternden Telefongesprächs und inszeniert die Vorgänge in der Notfallzentrale als Spielszenen.

DIE STIMME VON HIND RAJAB wurde auf dem Filmfestival Venedig 2025 mit dem Silbernen Löwen ausgezeichnet.

Der emotionalen Wirkung von Hind Rajabs Stimme kann und soll man sich nicht entziehen.

Am 29. Januar 2024 wird in Gaza-Stadt ein Auto beschossen. Ein Mädchen überlebt und telefoniert über Stunden mit den hilflosen Rettungskräften.

Die Stimme von Hind Rajab

Bei einem Streit um eine Waschmaschine gibt es einen elektrischen Schlag, und Helène und Michel finden sich statt 1958 im Heute wieder, wo es zwar die gleichen Kinder und Nachbar\*innen gibt, aber alle sind ganz anders drauf. Hélène ist nicht mehr Hausfrau, sondern Bankdirektorin, Michel ist Hausmann, die Tochter ist eine lesbische Medizinstudentin und will eine algerischstämmige Ärztin heiraten.


Nach einem elektrischen Schlag findet sich das bürgerliche Paar Hélène und Michel statt 1958 im Heute wieder.

Die progressiven Nostalgiker

Statt in den Urlaub fahren die Drei Fragezeichen auf eine Insel, auf der Kunstdiebe aktiv sein sollen. Aber auf der Insel lastet auch ein Fluch, und angeblich stirbt jeder, der dort hifährt. Aber Justus, Peter und Bob glauben nicht an Flüche.

Justus, Peter und Bob verfolgen Kunstdiebe und entdecken dabei eine angeblich verfluchte Insel.

Die drei ??? – Toteninsel

So wie die junge Nahid warten viele Geflüchtete aus Afghanistan in der Grenzregion von Bosnien auf eine Gelegenheit, in die EU zu kommen. Manche versuchen es und spielen eine Art Katz und Maus mit der kroatischen Polizei. Andere warten, hoffen und schicken Nachrichten mit Gedanken an ihre Familien.

Essayistischer Dokumentarfilm über afghanische Geflüchtete, die an der EU-Außengrenze ausharren.

Echoes From Borderland

Henriette ist mit einer neurologischen Störung geboren, wegen der sie oft extrem  impulsiv oder empfindsam ist. Sie gilt als "Systemsprengerin", und Guido ist der erste Mensch, der länger mit ihr zusammen ist. Aber so sehr er sie auch liebt, manchmal ist es schwierig.

Henriette und Guido – Eine ungewöhnliche Liebesgeschichte

Irgendwo in den Regenbogennebeln des Gayversiums liegt der Planet Clitopia - für Anfänger nur schwer zu finden. Hier regiert ein cooles Königinnenpaar, das sich allseits großer Beliebtheit erfreut. Ganz im Gegensatz zu ihrer Tochter Prinzessin Saira: Nach gerade mal zwei Wochen hat Sairas superheiße Freundin, die Kopfgeldjägerin Kiki, mit der introvertierten Prinzessin Schluss gemacht. Doch dann wird Kiki von „Straight White Maliens“, einer Horde selbstmitleidiger Incels, entführt und braucht Sairas Hilfe. 

Der Animationsfilm des Regisseurinnen-Duos Emma Hough Hobbs und Leela Varghese gewann 2025 den Teddy Award, den LGBTQ+-Preis der Berlinale.

LESBIAN SPACE PRINCESS entführt in ein trippiges Zeichentrickuniversum und schüttelt gnadenlos die Klischeekiste durch.

Prinzessin Saira muss ihre Ex-Freundin aus den Fängen der „Straight White Maliens“, einer Horde intergalaktischer Incels, befreien.

Lesbian Space Princess

Ein Polizist hat 90 Minuten, um einer KI-Richterin zu beweisen, dass er den Mord, der ihm angelastet wird, nicht begangen hat.

Mercy

Um seine Beziehung zu retten, schlägt Carey Polyamorie vor. Aber das bringt mehr Probleme als Lösungen.

Beziehungskomödie mit scharfen Dialogen und klamaukigem Action.

Splitsville

Die Familie des ecuadorianischen Filmemachers Dario Aguirre ist stolz darauf, den deutschen Jesuiten, Geografen und Botaniker Theodor Wolf zu ihren Vorfahren zu zählen. Aber als Dario sich mit dem Nachlass seines Ururgroßvaters beschäftigt, muss er seiner Familie berichten, dass Wolf sie nach seiner Rückkehr nach Dresden komplett verschwiegen hat. Was bedeutet das für sie? Wer sind sie noch, wenn nicht die Wolfs? Und gibt es noch andere geheime Zweige an diesem Stammbaum, über die sogar einige Verwandte in Ecuador lieber schweigen wollen? 

Der Ururuenkel des deutschen Geografen und Botanikers Theodor Wolf, stellt fest, dass der seine ecuadorianische Familie verschwiegen hat.

Wir, die Wolfs

Pamela Jahn

**Pamela Jahn: Frau Ben Hania, mit Ihrem Film machen Sie sich unweigerlich zum Sprachrohr für die Leiden in Gaza. Wie gehen Sie mit der Verantwortung um?**

Kaouther Ben Hania: Ich bin Regisseurin, ich drehe Filme und spreche von Natur aus nicht gerne über meine Arbeit. Mir wäre es lieber, wenn die Menschen einfach ins Kino gehen und sich selbst ein Bild machen würden. Mein Hauptanliegen war es, der Stimme dieses kleinen Mädchens Gehör zu verschaffen, um dadurch dem Schmerz und den Qualen in Gaza insgesamt Ausdruck zu verleihen.

**Wann haben Sie die Stimme von Hind Rajab zum ersten Mal gehört?**

Ich bin ein politisch interessierter Mensch und habe von Anfang an verfolgt, was in Gaza passiert. Der Rote Halbmond hatte nach ihrem Tod einen kurzen Ausschnitt der Tonbandaufnahme im Internet veröffentlicht. Immer wieder sagte sie: „Rettet mich, rettet mich.“ Als ich ihre Stimme hörte, fühlte ich mich direkt angesprochen. Es war, als würde sie mich persönlich um Hilfe bitten.

**Bis zur Premiere Ihres Films in Venedig war der Fall nicht weitreichend bekannt.** 

Sie haben recht, selbst in meiner Familie wusste niemand davon. Aber für mich gilt: Wenn man Anne Frank kennt, sollte man auch Hind Rajab kennen. 

**Ihr Film veranschaulicht eindringlich, die Verzweiflung der Rettungskräfte angesichts der bürokratischen Hürden, die sie am Eingreifen hindern. Hat Sie das Ausmaß der behördlichen Kontrolle von beiden Seiten schockiert?**

Ich habe mich bewusst dafür entschieden, das Geschehen aus der Sicht der Mitarbeiter*innen des Roten Halbmonds zu erzählen. Der Sitz der Zentrale, wo die Hilferufe eingehen, liegt in Ramallah. Wenn sie von dort aus ohne Absprache mit der israelischen Armee einen Krankenwagen nach Gaza geschickt hätten, wäre der automatisch angegriffen und zerstört worden. Es kam also auf die richtige Koordination an. Sie mussten sich über drei Ecken mit der Armee absprechen, die ihre eigenen Leute tötet, um die Rettungsaktion durchzuführen - eine grauenvolle Situation. Man muss sich das einmal vorstellen: Überall sonst auf der Welt, würde man sofort den Notarzt schicken, wenn ein Kind Hilfe braucht. Nur nicht in Gaza. Wer dort Leben retten will, muss kafkaeske Manöver überwinden. 

**Der Koordinator Mahdi besteht auf das offizielle Go und eine gesicherte Route; sein Kollege Omar ist dagegen, noch länger zu warten. Haben Sie sich gefragt, wie Sie entschieden hätten?**

Ich kann beide Positionen nachvollziehen. Sie wollen das Gleiche: das Mädchen retten. Theoretisch könnten die Ambulanz in acht Minuten bei ihr sein. Nur will Madhi nicht noch mehr Leben riskieren, indem er seine Sanitäter ohne Genehmigung rausschickt. Für Omar, der unmittelbar mit Hind in Kontakt steht, hat ganz klar die Kleine im Auto Vorrang. Am Ende verlieren alle. Das ist der reale Horror. Das ist für mich jenseits des Bösen.

**Aus acht Minuten werden Stunden. Omar skizziert den Zeitverlust auf einer Glaswand. Steht die gemalte Schleife indirekt für die Ewigkeit?**

Wir überlegten, wie wir sowohl die Komplexität der Lage als auch den Zeitfaktor verdeutlichen konnten. Ich hatte das Gefühl, dem einen visuellen Ausdruck geben zu müssen. Da passte das Bild: In dem Fall sind die acht Minuten wie eine Ewigkeit.

**Gab es eine Stellungnahme der israelischen Regierung, warum sie den Krankenwagen nach der Freigabe zur Rettung trotzdem bombardierten?**

Offiziell heißt es, sie seien nicht dort gewesen. Doch trotz aller Schwierigkeiten für internationale Medien, aus Gaza zu berichten und Fakten zu verifizieren, haben Reporter von Sky News und der Washington Post im Nachhinein eine längere Untersuchung durchführen können. Daraufhin veröffentlichte Sky News ein Satellitenfoto, das den Panzer vor Ort zeigt. Ungeachtet dessen blieb man in Israel bei der Behauptung, das Militär sei nicht involviert gewesen. Sie leugnen es bis heute. 

**Sie verzichten in Ihrem Film auf jegliche politische Einordung des Geschehens. Warum?**

Ich verfolge keine politische These, mir geht es um Empathie, um eine Verbindung zwischen Menschen. Darin liegt die Stärke des Kinos. Natürlich basiert die Geschichte unweigerlich auf den realen Ereignissen rund um den Terrorangriff der Hamas auf Israel. Sie existiert überhaupt nur aufgrund des politischen Kontexts, in den sie eingebettet ist. Aber dafür muss man den Menschen nicht noch einmal erzählen, dass am 7. Oktober 2023 Kämpfer der Hamas vom Gaza-Streifen aus nach Israel eindrangen, Militärposten überrannten und Kibbuze sowie das Musikfestival Nova überfielen. 

**Wie sind Sie konkret an die Inszenierung herangegangen?**

Beim Filmemachen geht es um Bilder, aber auch um Töne. Hier balancieren wir auf besondere Weise zwischen beiden Ebenen: Zum einen gibt es den offenen Raum, die verglasten Büros des Roten Halbmond. Gleichzeitig erleben wir das Geschehen am Tatort, vermittelt durch die Stimme von Hind Rajab übers Telefon. Für mich war es sehr wichtig, zwischen dem Dokument, also der realen Tonaufnahme, und der lähmenden Erfahrung von Hilflosigkeit zu navigieren, denen die Mitarbeiter*innen vom Roten Halbmond ausgesetzt sind. Das eine ohne das andere hätte nicht funktioniert.

**Hatten Sie zunächst Bedenken, Hinds Originalstimme zu verwenden? Gab es Überlegungen, die Aufnahme von einer Schauspielerin nachsprechen zu lassen?**

Bevor man eine Option ausschließt, legt man sie immer erst einmal auf den Tisch. Und klar, am Anfang war das in der Diskussion. Doch dann sagte Hinds Mutter: „Ich möchte, dass die Stimme meiner Tochter gehört wird.“ Damit nahm sie mir die künstlerische Entscheidung ab. Unabhängig davon bewege ich mich in meinen Filmen stets zwischen Erzählung und Dokumentation, denn für mich gibt es da keinen Unterschied. Es ist immer ein fließender Prozess.

**Wie offen war der Austausch mit den Helfern vom Roten Halbmond, die im Film vorkommen?**

Das Entscheidende war, dass ich sie porträtieren durfte. Ich brauchte ihre Zustimmung und ihr absolutes Vertrauen. Sie waren von Anfang an enge Partner bei der Entwicklung des Drehbuchs. Bei den Proben haben sie mit den jeweiligen Schauspieler*innen zusammengearbeitet. Es handelt sich bei dem Team ausschließlich um Palästinenser, sie alle brachten ihre eigenen Geschichten und ihren eigenen Schmerz mit ein. Gemeinsam mit meinem Kameramann Juan Sarmiento haben wir beschlossen, dass wir lange Einstellungen drehen würden, um den Darsteller*innen die Möglichkeit zu geben, sich entsprechend in die Szenen einzufühlen. Mit einer klassischen Drehsituation am Set kann man die Arbeit nicht vergleichen.
 
**Hat sich Ihre emotionale Reaktion auf die Tonbandaufnahme verändert, je öfter Sie Hinds Stimme gehört haben?**

Als ich die gesamte Aufnahme zum ersten Mal hörte, war ich dermaßen erschüttert, dass ich mich ernsthaft fragte, ob ich den Film wirklich umsetzen könnte. Der Schock war enorm. Allerdings wurde parallel dazu das Team bereits größer, und immer wieder mussten wir das Band aufs Neue abspielen. An der intensiven Wirkung ihrer Stimme auf mich hat sich seither jedoch nichts geändert. Mir schießen jedes Mal wieder Tränen in die Augen.

**Wie sind Sie an den kompletten Originalmitschnitt herangekommen?**

Das Rote Kreuz stellte mir alle Informationen zur Verfügung. Ich wusste, dass auch Al Jazeera das Material wollte, ebenso wie die Washington Post. Aber als ich im Laufe der Recherche schließlich mit dem Kulturministerium des Westjordanlandes sprach, stellte sich heraus, dass der zuständige Konsul meine Filme kannte - das war mein Vorteil. So gelangte ich an die Sprachmitteilungen der Familie, den detaillierten Austausch zwischen Helfern und Angehörigen, sowie sämtliche Protokolle und Unterlagen, die dokumentierten, was an dem Tag passiert war. 

**Sie waren 2021 für Ihren Film DER MANN, DER SEINE HAUT VERKAUFTE für einen Oscar nominiert und erneut im Vorjahr für Ihren Dokumentarfilm-Hybrid OLFAS TÖCHTER. Sicher wurden Ihnen seitdem auch zahlreiche Projekte aus Hollywood angeboten?**

Ja, aber nur vorgefertigtes Zeug. Es ist immer das Gleiche: Ich bin eine Regisseurin, dazu aus Nordafrika. Damit sind schon mal zwei Boxen getickt. Aber das heißt noch lange nicht, dass mich der Stoff begeistert, um den es geht. Filmemachen ist sehr anstrengend. Es braucht Zeit. Es braucht meine ganze Aufmerksamkeit. Ich würde mich nie allein aus Prestigegründen auf ein Projekt einlassen. Den Fehler mache ich nicht. Dafür bin ich viel zu leidenschaftlich bei der Sache.


Interviews

Regisseurin Kaouther Ben Hania über DIE STIMME VON HIND RAJAB: "Als ich ihre Stimme hörte, fühlte ich mich direkt angesprochen."

**Pamela Jahn: Frau Enyedi, was verbindet die drei Figuren im Film über den Ginkgobaum hinaus miteinander?**

Ildikó Enyedi: Goethes naturwissenschaftliches Werk, das ich unglaublich originell und beeindruckend finde. Die Newtonsche Sichtweise einer Suche nach gottgleichen Zielen und einem separaten Experimentator beherrschte das wissenschaftliche Leben bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. Goethe dagegen plädierte für eine partizipative Wissenschaft. Und im Grunde folgen alle drei Protagonist*innen unbewusst seinem Weg. 

**Sind Sie selbst ein sehr naturbewusster Mensch?**

Meine Verbindung zur Natur ist nicht instinktiv. Ich bin über die Literatur dazu gekommen. Ich war schon immer eine Leseratte, wie man so schön sagt.
 
**Mussten Sie eine ähnliche Chemie zu dem Baum im Film aufbauen wie zu Ihren Schauspieler*innen?**

Auf jeden Fall. Es ist kein Zufall, dass wir den alten Ginkgo erst ganz am Ende des Films in seiner ganzen Pracht sehen. Zuvor zeigen wir nur Teile davon, verschiedene Aspekte.

**Warum?**

Die Idee dahinter ist, dass das Publikum im Laufe des Films langsam eine Beziehung zu diesem besonderen Protagonisten aufbaut - beziehungsweise der Protagonistin, denn der Baum ist weiblich. Wenn man keinen direkten Bezugspunkt hat, zum Beispiel einen Menschen, der danebensteht, kann man sich die Größe des Baums nicht wirklich vorstellen. Zudem haben wir in allen vier verschiedenen Jahreszeiten gedreht, um den radikalen saisonalen Wandel zu zeigen, ebenso wie die Zeitreise durch sein 120-jähriges Leben.

**Greta, gespielt von Luna Wedler, ist die Erste, die mit dem Baum und seinen geheimen Kräften in Berührung kommt. Wie verändert die Begegnung ihre Sichtweise auf die Welt?** 

Für Greta ist die Aufnahmeprüfung an der Universität zwar eine traumatische Erfahrung, aber danach betrachtet sie ihre Umgebung mit ganz anderen Augen. Das Erotische, Sinnliche der Natur war ihr verborgen. Für eine junge Frau zur Jahrhundertwende war das ein großes Tabu und plötzlich macht sie diese zutiefst beunruhigende und zweideutige Erfahrung. Aber schließlich findet sie Frieden neben dem Baum und den Mut, sich dieser Sinnlichkeit der Pflanzen zu stellen und sie durch Fotografie zu erforschen.
 
**Für Hannes hingegen, der in den 1970er Jahren lebt, dreht sich alles um Empfindungen und das Erforschen der Sinne.**

Als Junge vom Land hat er einen ganz anderen Zugang: Er versteht es, sich instinktiv den Pflanzen nähern, sowohl physisch als auch intellektuell. Ich erinnerte mich beim Schreiben an Goethes „Die Leiden des jungen Werther“, wo es am Anfang eine Stelle gibt, an der Werther im Gras liegt. Er kommt im Mai 1771 in Wahlheim an und freut sich über den Frühling. Die Natur blüht auf, ganz so wie Werther, der darüber zum Maikäfer werden möchte. Es erscheint ihm wie eine Offenbarung.

**Sie sind selbst in den 1970er Jahren aufgewachsen. Fühlen Sie sich dieser Episode am nächsten?**

Ich liebe es, dass ich irgendwie zu keiner Generation gehöre. Ich fühle mich eher in einer sehr fernen Vergangenheit zu Hause, sowie in der Gegenwart und vielleicht auch ein bisschen in der Zukunft. Es gibt Menschen, die lieber in Erinnerungen an ihre Kindheit oder ihre frühen 20er Jahre schwelgen, aber bei mir ist das anders. Die Zeit zwischen sechzehn und neunzehn verbrachte ich in Südfrankreich an einer Post-68er-Schule. Es gab damals viele politische Bewegungen, die sehr präsent und aktiv waren. Aber was mich viel mehr interessierte, waren die Wissenschaftler, die die Kühnheit und, wenn man so will, eine dumme Naivität hatten, um die Rahmenbedingungen unseres Lebens neu zu überdenken. 

**Waren es speziell Goethes naturwissenschaftliche Schriften, die Sie zu diesem Film inspiriert haben?**

Er war sicher eine sehr wichtige Inspiration, aber es war keine spontane Entscheidung. Auch die akademischen Pflanzenexperimente aus den 1970er Jahren, die ich gerade angesprochen habe, sind mir immer im Hinterkopf geblieben. Dahinter verbirgt sich ebenfalls ein sehr intellektueller Ansatz. Es geht darum eine Maschine, Sensoren und eine Schnittstelle zu entwickeln, um herauszufinden, was im Inneren eines anderen Lebewesens vor sich geht. Zu Goethe muss ich noch hinzufügen: Ich hatte lange gewisse Vorbehalte gegenüber einigen Teilen seines literarischen Werks. Aber seine Naturwissenschaft hat mich schon immer extrem begeistert. 

**Woher kommen Ihre Vorbehalte gegenüber Goethes literarischem Werk?**

Als Teenager war ich ein Schiller-Fan - entweder oder.

**Glauben Sie, dass Goethe als Wissenschaftler unterschätzt wurde?**

Auf jeden Fall. Ich finde seinen Ansatz sehr modern, und auch für die heutige Zeit relevant. Es war eine meiner vielen Absichten, zu zeigen, dass er recht hatte.


**Steckt in Ihnen insgeheim auch eine leidenschaftliche Forscherin?**

Mein Vater war ein sehr renommierter Wissenschaftler, deshalb wollte ich instinktiv Abstand halten. Aber aus mir wäre sonst sicher auch eine gute Wissenschaftlerin geworden, weil ich gut darin bin, lange an einer Sache zu arbeiten. In der Forschung braucht man eine Vision, aber um dieser Vision zu dienen, sie zu testen, zu sehen, muss man das Risiko eingehen, viele Jahre lang einen bestimmten Weg zu gehen, bis man zu einem Ergebnis kommt oder nicht. 

**Ihr Film ist insofern wissenschaftlich, als Sie versuchen, die Verbindung zwischen den Menschen und der Natur mithilfe von Infrarotwellen und spezifischen Geräuschen sichtbar und auch akustisch zugänglich zu machen.**

Ja, in diesem Sinne ist es kein klassisch von der Geschichte vorangetriebener Film. Sie haben die Geräusche bereits angesprochen, aber auch Gerüche und Berührungen, also alles, was wir im Kino nicht direkt erleben können, Unaussprechliches und Unsichtbares, wollte ich indirekt vermitteln. Dafür mussten wir bestimmte Klänge erfinden, denn manchmal handelt es sich um taktile Empfindungen, Gefühle, Veränderungen des gesamten inneren Seelenzustands. 

**Können Sie ein Beispiel nennen?**

Ganz am Anfang des Films sieht man, wie sich ein Samenkorn langsam öffnet und sich zu einem Keim entwickelt - ein winziger Vorgang, aber auf der Leinwand erscheint er in Großaufnahme. Wir haben tagelang an den Geräuschen dafür gearbeitet, die sehr klebrig und ein wenig fremdartig klingen. Sie sind aggressiver und unheimlicher, als man es von einem kleinen Keim erwarten würde. Ich wollte dem Zuschauer vermitteln, dass dies kein Film mit hübschen kleinen Blumen sein würde. Die Natur hat Kraft, sie hat Geheimnisse, sie hat ihre ganz verborgene Schönheit, und man muss sie ernst nehmen und respektieren.
 
 **In Ihrem Film geht es auch um das Verlangen nach Zugehörigkeit. Ist das für jemanden mit Ihrem migrantischen Hintergrund das Thema, womit Sie sich am meisten identifizieren können?**

Ich bin gerne allein, ich fühle mich nicht einsam. Aber ich spüre stets eine persönliche Art von Barriere zwischen mir und dem Rest der Menschheit. Ich bewundere diejenigen Menschen, die sich ganz und gar selbst genügen. Das ist überhaupt nicht ironisch gemeint. Seit meiner Kindheit versuche ich über eine imaginäre Brücke eine Verbindung zwischen mir und der Welt herstellen, um irgendwie mein Existenzrecht zu beweisen. Es braucht eine Schnittstelle. Ich glaube, viele kreative Menschen verspüren einen ähnlichen Drang. 

**Ist das in etwa das Gefühl, das Sie mit Ihrem vorherigen Film ON BODY AND SOUL vermitteln wollten?**

In dem Film habe ich nach diesem Zustand gesucht, den wir alle so sehr genießen, eine Art «Flow». Wenn wir träumen, können wir nicht politisch korrekt sein, wir können nicht höflich sein oder über unsere Träume entscheiden. Ich gehöre beispielsweise auch zu den Menschen, die alberne Katzenvideos auf YouTube anschauen. Warum? Weil wir ein Wesen sehen, das ganz da ist, ohne Einschränkungen, ohne Pläne oder Reue, ohne etwas zu verbergen, ohne den Wunsch, sich zu verhalten. Ähnlich ist es mit dem Baby im Film, das die Figur von Tony Leung erforscht. 

**Haben Sie das Gefühl, dass ON BODY AND SOUL und SILENT FRIEND enger miteinander verbunden sind als beispielsweise Ihr episches Liebesdrama THE STORY OF MY WIFE?**

Ich mag diesen Film sehr, es ist ein buddhistischer Film. Er hat einen besonderen Platz in meinem Herzen, nicht zuletzt, weil er weitgehend missverstanden wurde. Ich bin denjenigen zutiefst dankbar, die ihn entdeckt haben und auf die eine oder andere Weise von ihm berührt wurden. Der Protagonist ist ein traditioneller Typ, ein Kapitän, der wie viele Männer heutzutage nicht versteht, was aus den Regeln und Normen wurde, mit denen er aufgewachsen ist, und was nun von ihm erwartet wird. Ich wollte diese tiefe Unruhe in ihm zeigen, und dass er am Ende des Films nach vielen Schmerzen versteht, dass man der Natur bedingungslos ausgesetzt ist, dass man selbst als Kapitän weder den Ozean noch andere Menschen kontrollieren kann.

**Glauben Sie an einen weiblichen Blick im Kino?**

Es gibt viele verschiedene Sichtweisen, aber wir haben vor allem unseren persönlichen, kulturell geprägten Blick. Wir sind eine Interferenz unserer körperlichen Erfahrungen. Der sogenannte „female gaze“ ist nur ein Aspekt von vielen, aber er existiert. Bei uns daheim gibt es eine Abkürzung, um von hinten ins Haus zu gelangen, eine recht dunkle Gasse. Es gibt kein Licht. Mit Anfang zwanzig gestand mir mein Sohn, dass er als Kind lange Zeit Angst hatte, diese Gang zu durchqueren. Erst seit er ein Teenager ist, nimmt er gerne die Abkürzung. Meine Tochter sagte ironischerweise, genau zu diesem Zeitpunkt setzte bei ihr die Angst ein, die Gasse im Dunkeln allein zu betreten. 

**Abschließend eine große Frage: Sehen Sie Ihren Film in gewisser Weise auch als Beitrag, um die aktuelle Klimadebatte wieder zu stärken?**

Ja, ich bin wirklich verzweifelt, wenn ich sehe, wie wir unsere letzten Chancen verspielen. Es gibt jetzt diese sehr starke Gegenbewegung. Ich weiß gar nicht, wie ich sie nennen soll. Ich möchte sie nicht als konservativ bezeichnen, weil sie das nicht verdient. Sie zerstört nur noch mehr die Demografie, und es ist schockierend zu beobachten, wie effektiv sie ist. Ich schäme mich im Namen meiner Generation, dass wir den jungen Menschen heutzutage nicht mehr zu bieten haben. 


Von Goethes Naturwissenschaft zu "the female gaze"

Regisseurin Ildikó Enyedi über SILENT FRIEND: "Aus mir wäre sicher auch eine gute Wissenschaftlerin geworden."

Eva Szulkowski

Heute schon gesneakt?

**Eva Szulkowski: SMALLTOWN GIRL ist ein ambitioniertes, radikales Debüt. Sind Sie vielleicht auch selbst überrascht, dass es geklappt hat, den Film überhaupt so zu realisieren?**

Hille Norden: Was mich überrascht, ist, dass ich überhaupt auf die Idee gekommen bin. Ich war 21, ich habe halt gedacht, das muss doch wohl möglich sein! Und ich hatte nie Angst vor Förderung. Ich habe immer gerne Förderanträge geschrieben, weil das so eine Verantwortungsabgabe ist gegenüber der eigenen Idee. Dazu muss man sagen: Ich bin Beamtentochter, meine Eltern sind Richter, deshalb schien mir das Fördersystem seit jeher intuitiv. Ich wollte einfach einen Film machen über die Ursachen und Langzeitfolgen von sexueller Gewalt, denn ich wollte mich als Betroffene selbst besser verstehen und verstanden werden. Warum bin ich immer wieder hingegangen? Tut es irgendwann nicht mehr weh? Wie sagt man das „Unsagbare“? Du erlebst sexuelle Gewalt und machst dann einfach weiter damit – als hätte man dich in eine Parallelschiene gesetzt. Du versuchst, eine Welt zu konstruieren, in der das, was wahr ist, nicht wahr ist. Das sorgt für diese Gewaltspirale, man schützt und wehrt sich selbst jedes Mal ein bisschen weniger.

**Das ist ein zentraler Satz im Film – man „geht immer wieder hin“ zu Orten der Gewalt und des Risikos, als Selbstverletzung oder um zu testen: Werde ich diesmal anders behandelt?**

Dafür gibt es ganz viele Gründe. Für mich war es wichtig, meinen Grund zu finden und einen Film zu machen, der das thematisiert. In so vielen Filmen, die sexuelle Gewalt behandeln, geht es um Rache: Frauen werden vergewaltigt, meist von einer Person, die sie nicht so gut kennen, oder von einem Partner, den sie dann hassen. Jetzt geht es darum, ob ihr alle glauben, darum, dass sie Rache erfährt, Gerechtigkeit und Genugtuung. Durch diese drei Komponenten wird sie „geheilt“. Das sind die üblichen Narrative. Ich finde es schlimm, weil das wirklich nicht das ist, worum es den meisten Menschen geht, die ich kennengelernt habe. Für mich war Rache nichts, was mich jemals bewegt hat. Ich hatte vor allem ein Problem mit mir selbst. Wie vergebe ich mir? Und nicht nur: Wie vertraue ich anderen Menschen, sondern: Wie kann ich mir selbst vertrauen, dass ich weiß, wer ein guter Mensch ist? Das ist so ein riesiges Thema, dass ich dazu auch fünf Filme hätte machen können. Am Ende ist dieser Film dabei herausgekommen, mit dem Versuch, zu fragen: „Wie reden wir darüber?“ Denn wenn man weiß, wie man ehrlich redet – mit sich selbst und anderen – kann man auch die anderen Fragen beantworten.

**Man merkt, dass Sie diese Ebene mitgedacht haben: Dass Sie von sich erzählen, aber auch in einen Dialog treten wollten.**

Ich habe sehr früh den Verleih Neue Visionen als Partner gewonnen, der schon vor einer Produktionsfirma Ja zum Drehbuch gesagt hat und damit auch: „Das will jemand sehen.“ Das war für mich wichtig. Ich habe versucht, einen Film zu machen, der nicht lustfeindlich ist, also auch nicht lebensfeindlich. Das wurde mir öfter angekreidet – ob das nicht pietätlos sei. Ich finde nicht, denn ich will mich nicht in eine Totenwache für mein eigenes Leben zwingen lassen. Für mich ist die Revolution dieses Filmes, dass er gemacht wurde, mit staatlichen Mitteln. Dass ein ganzes Team dazu ja gesagt hat, dass er geschaut wird in einem Zuschauerraum, gefüllt mit Menschen. Alle reagieren freundlich, das ist meine große Erkenntnis in dieser Reise mit dem Film. Ich habe immer gedacht: Wenn ich etwas sage, wenn ich mein Geheimnis öffentlich mache, sterben alle. Meine Mutter stirbt, mein Partner stirbt, ich sterbe – denn in dem Moment werden doch alle über mich anders denken als zuvor.

**Das ist genau das, was Nore durchmacht: Sie kämpft gegen dieses Gefühl, dass mit dem Moment der Erkenntnis ihr Leben vorbei ist – und muss sich neu zusammensetzen.**

Ja, und ich glaube, das kennen ganz viele. Aber diese kollektive Begegnung im Kinosaal beweist, dass es eben nicht so ist. Wenn ich da vorn stehe und sage, ich habe das geschrieben, weil ich auch missbraucht wurde, und 400 Leute freundlich bleiben und interessierte Fragen stellen, beweist das, dass die Scham und Angst umsonst sind – und sich viel geändert hat. Es ist möglich, zu reden. Das ist eine gemeinschaftliche Leistung – denn es braucht ja nicht nur die, die redet, sondern auch die, die zuhören. Keiner stirbt. Nichts wird weniger wahr, dadurch, dass man es für sich behält. Aber wenn man spricht, kann sich etwas ändern, in einem und zwischen uns. Das hat einen krassen kathartischen Effekt.

**Ja, man gewinnt auch etwas. Man holt sich ein Stück weit die Deutungshoheit über sein eigenes Leben zurück.**

Ich habe mich immer gefragt, was fehlt in der öffentlichen Wahrnehmung. Denn es ist ja nicht so, dass wenig über das Thema geredet wird. Wie viele Frauen werden für den „Tatort“ regelmäßig fiktiv vergewaltigt? „Figuren“ werden gerne motiviert durch sexuelle Traumatisierung. Und ich finde das meganervig. Im Schaffensprozess habe ich bemerkt, dass gerade jüngere Frauen es enorm wichtig fanden, im Detail zu verstehen, wie nah diese Geschichte an meinem eigenen Erleben dran ist – zu sehen, dass ich ihre Scham verstehe, weil ich sie so gut kenne, und trotzdem darüber schreibe. Ich will mich nicht hinter „alles erfunden“ verstecken, auch wenn es manchmal sehr schwer ist, sondern zeigen: Ey, es gibt nichts Schamhaftes daran, Gewalt erlebt zu haben – und dein größtes Geheimnis muss gar kein Geheimnis sein.



**Sie wollten in ihrem Film eine Balance schaffen zwischen Düsternis und Freude – wie haben Sie das erreicht?**

Dieser Film lebt davon, dass ich zeige, wie es sich anfühlt. Wie fühlt sich mein Leben an? Wenn man sexuelle Gewalt in einem näheren Umfeld – nicht Familie, sondern Freunde, sozialer Kontext – erlebt, entsteht eine Verstrickung aus Freundschaft, Gewalt, Liebe, Abhängigkeit. Und du verwechselst diese Kategorien fleißig miteinander. Das erhält diese Gewaltspiralen; gleichzeitig macht es sie erträglich.
Ich habe versucht, genau das, was einen in diesem Sumpf festhält, zu nutzen, um den Film erträglich zu machen. Dafür haben wir als Menschheit Kunst konstituiert, als angenehmen Schleier zwischen uns und der Wirklichkeit, sodass wir sie betrachten können. Außerdem muss man unterscheiden zwischen Spuren und Wunden. Ich habe mich lange wahrgenommen wie eine Art Apfel, der schwarze Stellen hat. Die will man rausschneiden, weil man immer das Gefühl hat, es gibt eine Alternative von mir, die besser ist, unberührt, untraumatisiert. Durch den sehr liebevollen Blick meines Partners habe ich festgestellt, dass der mich gar nicht so wahrnimmt wie einen Apfel mit faulen Stellen, sondern wie ein Gemälde, das ist, wie es ist, und das alle Farben braucht. Und es hat ihm nun zufällig sehr gefallen, weswegen er sein Leben mit mir verbringt. Es geht am Ende darum, an Liebe zu glauben. Es sind keine Spuren, es sind Wunden, und die können heilen.

**Es ist bemerkenswert, dass Sie bei all dem, was Sie im Film an männlichem Verhalten offenlegen, so viel Empathie „sogar“ für Männer aufbringen.**

Es sind immer Menschen, die etwas mit Menschen machen. Täter leben doch nicht in einem 17. Bundesland. Das sind unsere Freunde, unsere Väter, unsere Mütter, unsere Liebhaber oder wir selbst. Deswegen ist es sehr wichtig, über diese Form von liebevollem Miteinander zu sprechen und zuzulassen, dass es echte Verbindungen gibt. Nur weil man jemanden auch mag, schmälert das nicht, was er tut, und es geht hier um die Taten, die einen verletzen. Wenn wir etwas verändern wollen, ist der nächste Schritt, mehr Ambivalenz im Diskurs, einen Raum für Verständnis, Veränderung und Vergebung zu schaffen. Ganz ehrlich, wenn wir alle Menschen meiden, die Menschen wehtun, wer bleibt dann noch übrig? Und wenn sexuelle Gewalt uns alle betrifft, müssen wir alle darüber reden.

Regisseurin Hille Norden über SMALLTOWN GIRL: "Nichts wird weniger wahr, dadurch, dass man es für sich behält."

Alle Filme, die diese Woche neu ins Kino kommen.

Im Jahr 2010 wurde der iranische Regisseur Jafar Panahi (TAXI TEHERAN) wegen „Propaganda gegen das Regime“ zu einer sechsjährigen Haftstrafe und einem 20-jährigen Berufsverbot verurteilt. Im Juli 2022 trat er die Strafe im Evin-Gefängnis in Teheran an und wurde im Februar 2023 nach einem Hungerstreik auf Kaution freigelassen. In unserem Interview, das Pamela Jahn während des Cannes Film Festivals im letzten Mai geführt hat, spricht der Regisseur auch über seine Erfahrungen in der Haft. Ende letzten Jahres ist Panahi erneut in Abwesenheit wegen „Propagandaaktivitäten“ zu einem Jahr Haft verurteilt und mit einem Reiseverbot belegt worden.

**Pamela Jahn: Herr Panahi, wie blicken Sie auf Ihre Zeit im Gefängnis zurück?**

Jafar Panahi: Im Vergleich zu dem, was andere Gefangene durchmachen, habe ich mich dort ausgeruht.

**Inwiefern sind Ihre eigenen Erfahrungen in das Drehbuch eingeflossen?**

Der Film spiegelt nicht meine eigene Situation wider. Die Idee war, den Fokus auf Menschen zu legen, die fünf, zehn oder mehr Jahre im Gefängnis verbringen oder verbracht haben. Als ich dort war, habe ich mich lange mit ihnen unterhalten. Wir sprachen über ihre persönlichen Erfahrungen und die Ereignisse, die sie im Umgang mit anderen Insassen erlebt haben. Man könnte sagen, wir unterhielten uns über ein halbes Jahrhundert Haft im Iran.

**EIN EINFACHER UNFALL ist ein wütender Film, aber es schwingt auch ein gewisser Galgenhumor mit.**

Ironie spielt in unserer Kultur eine große Rolle. Wenn man nur eine Stunde auf einem iranischen Markt verbringt, merkt man, wie humorvoll die Menschen mit einem umgehen. Da kann auch ein Unglück passieren und 10 Minuten später machen die Leute schon Witze darüber. Ungewöhnlich ist das nicht.

**Glauben Sie, dass Menschen, die andere foltern, ein glückliches Leben führen können?**

Ihre Frage erinnert mich an die Aussage von Hannah Arendt, als sie nach Jerusalem zum Prozess gegen Adolf Eichmann reiste. Ich paraphrasiere, aber sie sagt so etwas wie: „Wir alle haben uns dieses Monster vorgestellt. Und nun soll dieser Mann für die Ermordung von Millionen Juden mitverantwortlich sein? Kein Monster, sondern ein Spießer, ja, ein Niemand. Wir konnten kaum glauben, dass ein so durchschnittlich aussehender Mann so etwas Böses getan haben konnte.“ – doch anscheinend ist es so. Menschen sind nicht immer so harmlos, wie sie von außen erscheinen mögen. Es gibt auch einige Hinweise in meinem Film, die darauf schließen lassen, dass dem so ist.

**Worauf genau spielen Sie an?**

Es ist klar, dass Egbals Familie, die zu Beginn des Films zu sehen ist, sehr ideologisch geprägt ist. Der Vater erlaubt beispielsweise nicht, dass die Musik zu laut aufgedreht wird. Und schon allein ihr äußeres Erscheinungsbild deutet in gewisser Weise darauf hin, dass es sich um Menschen handelt, die dem Regime sehr nahestehen.

**Noch deutlicher wird es, als Egbal versehentlich den Hund überfährt.**

Ja, nach dem Vorfall mit dem Hund, sagt die kleine Tochter: „Du hast ihn getötet.“ Und die Mutter antwortet: „Nein, das war nicht die Tat deines Vaters. Es war Gottes Wille.“ Damit wirft sie eine ideologische Frage auf, die das Mädchen sofort in ihrer absoluten Grundlage erschüttert, indem sie wissen will: „Welcher Gott?“ Immerhin war es ihr Vater, der nicht aufgepasst hat. Das sind alles kleine Anspielungen, um es dem Publikum zu ermöglichen, eine andere Perspektive auf die Geschichte zu bekommen, die sich später im Film entfaltet.

**Die Handlung dreht sich um eine Gruppe ehemaliger iranischer politischer Gefangener, die über das Schicksal des Mannes diskutieren, den zumindest einer von ihnen, Vahid, für ihren damaligen Folterer hält. Wofür stehen für Sie die einzelnen Figuren, die hier im Kleinbus zusammenfinden?**

Jede dieser Figuren repräsentiert eine gewisse Denkschule, und jede einzelne dieser Sichtweisen wird auf engstem Raum herausgefordert, ob die Beteiligten es wollen oder nicht. Am Ende müssen sie zu einer Schlussfolgerung kommen. Der eine glaubt an Rache und Gewalt, jemand anderes ist dagegen. Eine weitere Person ist nicht einmal politisch und will sich nicht in diese Dinge einmischen. Vereinfacht ausgedrückt, spiegelt sich innerhalb der Gruppe im Kleinen wider, was man überall in der Gesellschaft beobachten kann.

**Sie haben gesagt, dass dieser Film für Sie künstlerisch ein Neuanfang ist. Welchen Weg wollen Sie zukünftig einschlagen?**

Als ich nicht arbeiten durfte, waren meine Filme persönlicher. Ich war so schockiert über das Urteil, das ich 2010 erhalten habe, dass ich mich selbst im Zentrum der Geschichten sah. Ich dachte, wenn ich einen Film über einen Taxifahrer drehen will, dann gibt es hier immerhin einen Regisseur, der nicht arbeiten kann, also wird er Taxifahrer. Und weil er seinem früheren Beruf sehr verbunden ist, hat er überall im Auto Kameras angebracht. Er macht beide Jobs gleichzeitig. Aber seitdem die Urteile gegen mich aufgehoben wurden, merke ich, wie ich mich langsam psychologisch und physisch aus den Bildern entferne. Technisch hat sich an meiner Arbeitsweise nichts geändert.

**Wie dreht man eigentlich einen Film, ohne entdeckt zu werden?**

Natürlich kann ich Ihnen hier nicht alle Tricks verraten, denn das würde die Menschen bloßstellen und in Gefahr bringen, die mich bei meiner Arbeit unterstützen. Aber um möglichst unentdeckt zu bleiben, ist es wichtig, mit einem kleinen Team unterwegs zu sein und nur begrenzte Ausrüstung zu verwenden. Das Wichtigste ist, keine Aufmerksamkeit zu erregen.

**Ähnlich wie die Werke Ihres Kollegen Mohammad Rasoulof verweisen Ihre Filme immer wieder auf die Brutalität und Unterdrückung des Regimes. Könnten Sie sich vorstellen, einmal etwas ganz anderes, etwa einen Genrefilm, zu realisieren?**

Warum nicht? Es hängt immer von der Idee ab, die dahintersteht, und von den Anforderungen der Geschichte an sich. Aber das ändert nichts an der Tatsache, dass mein Werk, egal in welchem Genre, immer sehr nah an der Realität und dem Alltagsleben im Iran sein wird.

**Wie hat die Tatsache, dass Sie nicht frei arbeiten können, Sie als Künstler verändert?**

Ich habe das Gefühl, dass ich seit meiner Haftstrafe nicht mehr derselbe bin. So sehr, dass ich mir immer wieder sage, ich wünschte, ich wäre früher dort gewesen, denn ich habe viele Dinge erfahren und miterlebt, die ich sonst vielleicht nicht gesehen hätte, und es hat mich Menschen nähergebracht, die ich zuvor nie getroffen hatte. Gleichzeitig verändert so eine Zeit hinter Gittern natürlich das eigene Ich, das persönliche Verhalten. Wenn man sich beispielsweise entscheidet, einem anderen Gefangenen zu helfen, ist das kein Spiel, sondern bitterer Ernst. Man kann es lassen, weil man Angst vor den Konsequenzen hat, oder es als seine Pflicht betrachten. Die Entscheidung liegt bei jedem selbst.

**Haben die jüngsten Entwicklungen in Ihrem Heimatland es Ihnen ermöglicht, in Ihren Filmen direkter zu sein?**

Die Umstände im Iran haben sich nicht wesentlich geändert. Wir leben nicht in einer freieren Gesellschaft. Der Unterschied besteht allein darin, dass es der Regierung nicht mehr möglich ist, zum vorherigen Status quo zurückzukehren, weil die Menschen sich dagegen wehren. Jeden Tag verhängen die Behörden neue Strafen, sie verschärfen die Bedingungen immer weiter, aber die Menschen gehorchen nicht mehr. Das Leben ist nicht weniger gefährlich geworden, aber die Regierung kann die Bevölkerung nicht mehr so kontrollieren wie früher.

**Wie hat Ihnen das Filmemachen in den letzten 15 Jahren geholfen, durchzuhalten und weiterzumachen?**

Es ist der einzige Beruf, den ich kenne und den ich beherrsche. Ich kann nichts anderes. Hätte ich keine Filme gedreht, wäre es sicher ziemlich schwer gewesen. Um nicht noch größere Not zu erleiden, habe ich Wege gefunden, das zu tun, was ich liebe. Auf diese Weise gelang es mir auch zu signalisieren, dass wir alle unbedingt weitermachen müssen. Ich erinnere mich, wie vor 2010 und dem ersten Urteil gegen mich, immer wieder Studenten zu mir kamen und sich darüber beschwerten, wie schwierig es sei, einen Film zu drehen. Aber nachdem sie THIS IS NOT A FILM oder TAXI TEHERAN gesehen hatten, beschwerte sich keiner mehr. Es gibt sehr unterschiedliche Arten des Widerstands. Wir alle finden je nach unseren Möglichkeiten entsprechende Lösungen für die Hürden, Missstände und Probleme, mit denen wir uns konfrontiert sehen.

**Ist es möglich, heutzutage im Iran an Vergebung zu denken?**

Wahrscheinlich nicht, aber wir können hoffen, dass es in Zukunft einmal anders sein wird. Hoffen, dass niemand mehr anderen Menschen seine Ideen oder irgendeine Ideologie aufzwingt. Hoffen, dass jeder eine bessere Version seiner selbst wird, sowohl die Regierungsmitglieder als auch diejenigen, die nichts mit Politik zu tun haben. Hoffen, dass wir alle gemeinsam einen Weg finden, zusammen ohne Gewalt zu leben.

**Was erwarten Sie, wenn Sie in den Iran zurückkehren?**

Ich habe keine konkreten Vorstellungen. Ich weiß nur, dass ich zurückkehren werde. Es wird sich zeigen, was dann passiert. Aber es ist auch alles nicht so schlimm, wie es scheint. Von außen betrachtet, mag es schlecht aussehen. Aber wenn man dort ist und seine eigenen Probleme mit der Situation anderer vergleicht, merkt man, wie klein sie sind. Um ein einfaches Beispiel zu nennen: Es gibt so viele Frauen, die ohne Kopftuch auf der Straße gehen. Wenn sie verhaftet werden und es besonders schlimm kommt, werden sie mitgenommen und weggebracht. Aber am nächsten Tag machen sie dasselbe wieder. Nur weil diese Frauen nicht berühmt sind, schenkt ihnen niemand besondere Aufmerksamkeit. Das ist echte Tapferkeit.